exposition du 11 février au 20 mars 2011
du mercredi au dimanche de 14H à 19H ainsi que les jours fériés
Maison des Arts
8 rue des Remparts
11100 Bages
tel: 04 68 42 81 76

Patrick Sauze

« Imagination morte – imagine»

Samuel Becket

Pour les artistes comme Donald Judd, Sol Lewitt ou Elsworth Kelly le travail commence toujours à partir du visible et du tactile. Ce processus est qualifié par les historiens d’art et certains critiques de « minimaliste », même si le terme de « minimalisme » n’a jamais été accepté par les artistes eux-mêmes, car l’élégance et l’essence de leurs œuvres semblent transcender le monde matériel.

Les tableaux de Patrick Sauze sont en opposition fondamentale à cette pratique ; conceptuels plutôt que minimalistes ils sont issus d’une profonde pensée méditative avec une conscience aigüe de l’immatérialité de l’existence dont le vide abyssal subsiste toujours dans notre inconscient.

Dans l’enfance on a joué à avancer sur des pavés tout en évitant de poser les pieds sur les joints ; c’est au moment où le pied est en l’air qu’il faut viser l’autre pave pour être « sauf » . Superstition ?… ou intuition du danger de l’inconnu ?…

Patrick Sauze a osé mettre son pied sur le joint et il est passé à travers. Son œuvre commence dans le vide et fait émerger quelque chose qui n’a aucune racine dans ce monde. Avec des moyens exceptionnellement économiques les tableaux matérialisent des formes inusitées mais hypnotiques. C’est une formidable réussite de les avoir fait avec tant de clarté, de délicatesse et de précision. Ils arrivent à créer un espace dans nos têtes comme s’ils étaient la manifestation concrète du « Nagual ».

watch film of the exhibition with commentary in english
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Doris Schläpfer

“ In a cowslips bell I lie
there I crouch when owls do fly “

from Ariels Song, The Tempest. W. Shakespeare

Les tournesols n’ont pas de couleur sauf le gris foncé qui semble presque noir et qui est fait de toutes les couleurs de l’arc-en-ciel. Malgré l’intensité de gris nous sommes conscients d’une lumière intérieurs.
La révolution du soleil révèle le temps qui passe et l’ombre obéit toujours.
Nous n’avons pas un point de vue conventionnel du tournesol, c’est comme si la fleur était avalée par son proper mouvement, et nous ne pouvons que deviner où elle s’est cachée elle-même.
Ce point de vue étrange et surprenant nous confond et nous destabilise par rapport à une représentation traditionelle ; le spectateur ne peut que sentir le tournesol dans l’ombre.

Quand le célèbre compositeur John Cage fait de son experience « 4 minutes 33 secondes » l’auditoire écoute le silence. Mais un vrai silence est impossible en présence d’êtres humains. Cette performance silencieuse est troublée par des sons parasites ( trépignement, toux, chants d’oiseaux, et bruits sourds de la rue ) mais aussi par les bruits internes du corps humain
( battement de cœur, respiration…).
Les tournesols de Doris se meuvent dans un monde de silence profond. Elles existent dans une dimension sans espace, ni volume, ni son, ni parfum.
Elles ne sont que des ombres tributaries de la position du soleil.

Dans cette série Doris expérimente l’extension de l’ombre vers la lumière en laissant l’encre aux
couleurs fades et délicates émerger du fond du papier. C’est comme la « couleur magique » révélée par de l’eau sur les pages blanches des livres de coloriages de notre enfance.
Ces dessins trouvent certainement une part de leurs racines dans les aquarelles de Joseph Beuys, bien qu’ici la qualité en soit plus informelle, plus « émergente » . Ainsi ils font partie intégrante de sa préoccupation pour l’immatérialité de l’ombre et sa dépendance à l’objet et au soleil.
Dans l’ enfance nous sommes convaincus qu’une ombre est aussi réelle que n’importe qu’ elle autre présence dans le monde. Cette capacité d’ acceptation et d’émerveillement s’éteint souvent a l’âge adulte, mais pourfois l’artiste peut la faire revivre.

« Quand nous ne sommes plus des enfants nous sommes déjà mort »

Samuel Beckett

Kathleen Burlumi

Adaptation en français: Denis Larané

watch film of the exhibition with commentary in english

J’ai connu Jean-Marie de Sauverzac, il y a une dizaine d’années et devant une armoire. Je sais donc depuis longtemps que c’est un homme d’ordre, de son ordre à lui bien entendu, où tout – ou presque- passe par un rangement (arrangement) des choses selon leurs formes . Condition nécessaire à leurs bonnes monstrations puisque selon J.F Lyotard, qu’il aimait alors à citer, dans l’esthétique moderne seule la forme continue à « offrir au regard matière à consolation et plaisir’ .

Aujourd’hui, les décennies se bradent, usées par les vitesses qui les traversent et les minent. On montre peu, on entasse, et si l’on n’expose guère c’est que les regards se font rares et ne peuvent perdre de temps à ouvrir les armoires ou à en imaginer les serrures. Je me suis donc souvent demandé ces derniers temps, comment un homme du rangement arrangé en Art, de son dérangement en somme, comme de Sauverzac, pouvait s’accoutumer de ce que les formes, les formes issues de l’art surtout, soient contraintes à prodiguer consolations et plaisirs non plus dans un colloque particulier avec le regard mais dans l’obscénité d’un entassement d’elles-mêmes, ou pire encore : d’elles comme leurres et fantasmes.

Je ne me souciais toutefois pas des choses de J.M. de Sauverzac en tant que choses car, dérangées, entassées, démontées, elles survivraient au moins un certain temps, pour leurs valeurs d’usage ou de vides greniers. Ce qui m’ occupait tout autrement, n’était pas non plus la pratique de l’artiste , de l’homme qui range-arrange-dérange, mais bien, pour utiliser la formule classique d’ Arthur Danto , le destin de cette transfiguration du banal , qui de l’art des choses d’un ordinaire désordonné construit un ordre des choses de l’Art . Il y avait-il encore, pour lui,et pour cela, des armoires à ouvrir ?

La réponse vint lentement à mesure que j’appris par brides, ce qui se tramait dans l’Atelier de Sauverzac. Tramer étant le verbe le plus juste pour une telle question car je sais d’une part, et de longue date, que les trames, cordes, tissus, fils et ficelles participent de l’alphabet plastique de Jean-Marie. D’autre part par ce que les sens voisins de ce verbe , qui seraient (combiner, machiner, ourdir, ) ne sont pas dans un atelier l’annonce de sombres desseins mais l’assurance d’agencements et d’arrangements utiles et banals .

Si en effet les choses sont ce qu’elles sont, l’enjeu de l’atelier et de ce qui va s’y produire réside dans les traitements et intuitions nécessaires appliquées à celles-ci. Enjeu passionné, mais qui demande à l’artiste un bel exercice de neutralité que J.M de Sauverzac résume ainsi : « Qui du volume ou de ses arrangements capte le regard ? « (1) La neutralité en l’occurrence, on l’aura comprise, n’étant pas ici autre chose que le gain de la pertinence, car c’est la condition pour que les choses elles-mêmes et entre elles, se rangent, s’arrangent, se montrent .

Cette condition étant nécessaire pour que la transfiguration advienne comme objectif et assomption (au sens d’une action assumée par l’artiste et le regardeur).

En cette affaire, on le sait, c’est bien l’action de l’agent, et donc de l’artiste, qui est déterminante en ce qu’elle organise de façon raisonnée et intentionnelle le passage de l’objet ordinaire à l’oeuvre, à l’ »objet » d’art. Notons, qu’il en est de même en quelque sorte pour le regardeur car si la captation par le regard ( c’est-à-dire la vision ) n’est qu’un état, comme le pense Wittgenstein , celui qui regarde à son tour pense et agit.(2)

Plus tard j’ai été saisi par deux évidences en recevant l’invitation de Jean-Marie à voir ces derniers travaux. Celle-ci était illustrée par une photographie de lui-même, plongeant avec détermination un bras dans une sorte chaudron surmontant ce qui pouvait être deux pots, eux -mêmes à demi enfouis dans deux de bottes rustiques.

La première de ces évidences était qu’il n’est jamais tout à fait possible d imaginer vraiment une démarche artistique en cours sans voir à l’œuvre, et in situ dans l’atelier, son agent. La seconde étant que cette photographie d’une action renvoyait immanquablement à s’interroger sur le « style « en vertu de l’axiome selon lequel celui-ci est l’homme même. Ce qui nous ramène à Danto pour qui : dans l’art tout particulièrement, le style se réfère à cette physionomie externe d’un système de représentations internes ‘ « (3)

Je ne suis pas certain de connaître assez bien de Sauverzac pour l’affirmer, mais dans ce mouvement d’un bras s’enfonçant dans on ne sait quoi, certainement dans de la matière ou oeuvrant au volume qui le contiendra, et rééquilibrant le reste du corps en regard de l’action, je crois qu’il y a là l’image d’un style.Une façon de rapport aux formes du réel, aux choses, aux objets, aux intériorités, qui traduisent une volonté d’avoir avec l’art, ou avec l’idée de l’art, une posture singulière.

Ce large chaudron dans lequel de Sauverzac engage le bras au risque de son équilibre est la partie centrale d’une pièce qu’il intitule « bien dans ses bottes » et qu’il réfère assez curieusement à Pomone, belle déesse romaine qui n’aimait que les jardins, qu’elle entretenait avec goût, ayant horreur et des hommes et du naturel . Curieuse référence car cette déesse serait plus sûrement une guerrière hottentote qu’une nymphe des rosiers et des platebandes! . Cette représentation n’est donc pas réaliste. Sa vérité n’est pas non plus esthétique, en ce qu’elle ne peut se référer à une culture particulière. La silhouette qu’elle suggère n’est dès lors qu’un empilement d’objets, qui pourrait être dû au hasard autant qu’a l’action consciente d’un agent, mais que Jean-Marie de Sauverzac, lui, aurait posé ,de fait mais hors de toute esthétique, en « objets de l’Art ».

Une telle démarche peut paraître s’inspirer de la radicalité de Joseph Kossuth dont Jean-Marie reconnaît volontiers qu’elle l’a ’’ interpellé’’ . Peut-on pour autant considérer qu’il fait sienne l’analyse de celui-ci selon laquelle l’artiste contemporain ne peut : « s’en tenir au ‘’langage ‘’ de l’art traditionnel selon lequel il n’y a qu’une manière de formuler des propositions artistiques .(4) . En d’autres termes, les « casseroles » pots, chaudrons, assemblés et montrés par de Sauverzac marquent-ils une véritable adhésion à une radicalité exigeante ? Dans la négative, alors de quoi ses pots sont-ils le nom ?

Peut-être faut-il, pour répondre à de telles questions, se souvenir de la formule d’Aby Warburg selon laquelle en art, et plus qu’ailleurs, » le bon Dieu niche dans les détails « et revenir à ce que montre réellement de Sauverzac. En effet,ses chaudrons, pots, bouilloires, bottes, ne participent pas d’un ordre ordinaire des objets. Faut-il en énumérer les matières ? carton ondulé, tissus, cordes, ficelles ! en recenser les additifs ? cires, colles, enduits, vernis !, en relever les tons et les coloris ? Non , à l’évidence, car ce sont bien là des objets conçus, de fait, esthétiquement, des objets d’art par eux mêmes et par leurs assemblages.

Enfin, il faut considérer les ajouts, ces pièces rapportées, détails ludiques, faussement pratiques, pour d’impossibles ou surréalistes usages. La réponse que nous attendions est donc complexe. Jean- Marie de Sauverzac n’est pas le suiveur d’une radicalité militante, pas plus qu’il ne s’inscrit réellement dans les traces et impasses de l’art conceptuel, ou s’il paraît s’y tenir, ce n’est que, et seulement, parce qu’il est antérieur à Duchamp , selon la formule de Kossuth ! . .

Toutefois il serait tout aussi impossible de lui affecter un attachement revendiqué ou masqué, aux artefacts, règles et caractéristiques formalistes de l’art. Tout se passe en réalité, comme s’il n’adhérait à aucune de ces vérités contradictoires par ce qu’ il les tient toutes à distance .

On pourrait dire, il ne s’en formalisera pas, qu’il tourne alors autour de ses pots, pour ménager l’ambition qu’il a construite, celle d’une posture d’authenticité, qui sera celle, et seulement celle, d’être solidement en ce qu’il nomme, assez justement » son histoire de la sculpture » ..

Ambition nécessaire que seul le talent peut nourrir et servir.

Daniel Bégard. Novembre 2010

Notes :

1J.M de Sauverzac. » Retour à la sculpture. Recherche d’une écriture personnelle
2 L.Wittgenstein. » Leçons sur l’esthétisme «
3 A.Danto. » La transfiguration du banal «
4 J.Kosuth « Art After Philosophy »

Le Théâtre du soleil est de toutes les manifs parisiennes en l’automne 2010. Encore une fois, j’ai tenté le plan séquence, cette fois-ci plongée dans une sorte de transe collective… l’image en garde des traces (yeux sensibles : s’abstenir).

de Annick Bouleau

vidéo Annick Bouleau

L’ouverture du festival Identi’terres le 2 octobre 2010 à Bages avec la companie Gérard Gérard
et l’exposition à la
Maison des Arts Bages
Sylvie Romieu, Anne Montaut et Claudio Isgro
exposition du 2 octobre au 10 (?) novembre 2010

Automne à Bages : Trois belles identités !

Le festival « Identi’terres « programme, à la Maison des Arts de Bages, trois fortes identités d’artistes, vivant et oeuvrant avec bonheur et réussite sur les bords de l’Etang.

De plus, ce « Paysage à trois « que proposent Sylvie Romieu, Anne Montaut et Claudio Isgro n’est pas pour rien ainsi donné à voir. Il s’agit là de trois regards, liés par l’amitié, mais aussi par l’évidence d’une sorte de nécessité de trilogie construite sur trois pratiques différentes, ici parfaitement associées, des techniques de création nées de l’art de l‘image photographique.

Le visiteur sera saisi d’emblée par l’ensemble des « Coupes sombres »d’Anne Montaut . Il n’y a d’acéré dans ces coupes que le regard de l’artiste, disséquant et recousant le grand écart des jeux d’ombres, de lumières et de matières, où la rigueur du noir et blanc, servit par de somptueux tirages, fait passer l’émotion la plus authentique tout en laissant chacun libre d’y trouver une part de rêve et d’humour.
Les jeux d’ombres ne sont pas en photographie une nouveauté,
mais la maîtrise d’Anne dans ce registre est, elle, réellement novatrice.

Avec Claudio Isgro, nous ne quittons ni les ombres, ni les lumières mais l’artiste fait de celles-ci, dans les lieux quasi clos où il les traque, des entités mutantes rebondissant sur les matières, en devenant quasiment vivantes, laissant des traces, des parcours, que les images couleurs redessinent, effacent à demi, ou magnifient . Ici aussi la maîtrise et l’inventivité servent l’émotion.

Sylvie Romieu occupe l’étage pour y décliner en deux séries de propositions talentueuses l’univers personnel que l’on lui connaît. Sa grande maîtrise des techniques de fabrication d’images lui permet d’en effacer subtilement les mises en œuvre, ne laissant venir aux regards qu’une poétique épurée qui entraîne le cœur et mobilise le rêve. Au-delà de ses grandes compositions, on aimera aussi de petites pièces ludiques, tirages sur papier de figurines sombres, rappel d’un beau vocabulaire d’imagerie intime, là aussi, à partager.

Daniel Bégard.
magazine olé

Quand le paysage vibre, vrombit et s’électrifie, allez rôder ailleurs….

A Lyon, où la Biennale de la Danse ne tient pas toujours ses promesses…
La ville subit l’exode des mouvements libérateurs, des pas chassés maîtrisés, des performances en
extérieur. Sans doute faut-il tomber au moment opportun. Au théâtre des Célestins, la compagnie
Ailey 2 s’enfonce dans des clichés: visions de champ de coton périmés, costumes en crochet
exhibés, couchers de soleils en fond, cadences irrégulières….De la danse littérale….Partir à l’entracte
et éviter de fulminer devant un public conquis par un sous-produit américain, type mauvaise
comédie musicale à Broadway…Mainstream…
Vélo qui vogue le long des quais, on pause au Musée d’art contemporain pour un programme de
choc: Bruce Nauman et Trisha Brown.

Nauman violente le spectateur grâce à ses vidéos réalisées pour la plupart dans son atelier, par un
travail sur son propre corps qu’il expérimente à partir des années 60/70 aux Etats-Unis. Caméra
frontale, effets de bascule, les perceptions du spectateur sont troublés devant ce corps qui rebondit à
un angle de la pièce ou ces répétitions d’un même son de violon jusqu’à l’épuisement et l’absurde.
Becket et ses personnages en écho à ce monde claustrophobique et dysharmonique.

A côté, se déploie l’oeuvre de Trisha Brown qui recherche, depuis 1968, hors des espaces
conventionnels de la scène, la hauteur de Soho, l’espace des parcs, la liaison avec d’autres arts. La
chorégraphe travaille à des gestes accumulés, naturels, simplifiés. Quête d’une nouvelle écriture du
corps: idéographies, installations sonores, fusains qui tracent sur le papier depuis ses mains ou ses
pieds…
Enfin, en contemplant son visage dans un verre de Côte du Rhône, on cherche de nouvelles
connections avec le monde, dans cette ère du vide, où priment l’hédonisme, le libre-service libidinal,
le narcissisme exacerbé.

A voir: expositions mac de lyon jusqu’au 31Déc 2010.
A lire: Gilles Lipovetsky: L’ère du vide.
Dominique Baqué: Visages.

Au moment où « Visa pour l’Enfer » se délecte de signes surexhibés et de catastrophes uniformisées, où Luc Chatel brandit le credo de la « révolution copernicienne », place aux propositions arlésiennes.
Au Magasin de Jouets, la photographe Olivia Pierrugues, fraîchement sortie de l’ENSP, présente Hombrias, un regard sur l’univers de la corrida, suite à une commande du directeur de la galerie, Pierre Hivernat, aficionado convaincu, quelque peu réticent, comme d’autres, à l’extraordinaire galvaudé en matière photographique.
Pour cette exposition, tous deux ont sélectionné une série homogène de trente-deux clichés contre-collés, évacuant la violence et le sanguinaire et insistant davantage sur l’animalité, sur des mains tendues, des gestes anodins de l’avant-scène, soit des métonymies tauromachiques.

Olivia Pierrugues, qui poursuit son travail sur des univers virils, après avoir été remarquée pour ses points de tensions dans le monde des boxeurs pendant les RIP, esquisse un sursaut d’insatisfaction face à ses clichés…Le trac sans doute et la conscience que son travail photographique ne questionne pas ici la ferveur locale mais qu’il repose essentiellement sur des saillies intimistes, dans les Corrales, où elle a pu s’introduire grâce à l’aide de Luc et Marc Jalabert, éleveur et directeur des arênes d’Arles.
La recherche plastique, la couleur, le soin des détails font écho à la peinture espagnole, aux deux années passées à Séville pour Olivia, à l’influence du photographe Cristobal Hara.

Depuis l’ouverture de la galerie, Pierre Hivernat, qui roule sa mèche entre Londres et Arles, après
avoir claqué la porte de Marseille 2013, recherche l’alliance avec les partenaires locaux et espère
pouvoir encore produire, dans la mesure des finances, des expositions, comme celle-ci, avec la
qualité du tirage du laboratoire Voies Off.
Son épicerie d’art concentre aussi en sous-titre une boutique et une librairie avec des carnets
uniques, des matchboxes, des cartes….Et, habité par le vouloir-faire cher à Roland Barthes, il
proposera pour la suite un « open place »: délocaliser le lieu quinze jours à New York, organiser des
lectures..
Gageons que le lieu conservera la nécessité de la prise de risque artistique.

Tout près, La Vitrine, autre galerie dans la rue Jouvène, façonne son côté destroy et disparate.

Sur du papier Kraft, Charlotte Antoni, étudiante aux Beaux-Arts de Marseille, étale ses gueules qui
crachent ou vomissent dans un monde noir de fumée.
Lucie Dufour chevauche avec son appareil photographique le monde de l’équitation américaine et
tout en haut, au poulailler, Lisa Sudhibhasilp présentent les traces photographiques de l’humain:
sapins sociologiques, effigies d’intérieurs de voiture…
Julie et Aurélie, programmatrice et directrice, ont aussi des projets plein la tête et inviteront bientôt
Ln Boulle, la nouvelle fée du désign et d’autres surprises…
Gageons encore qu’elles trouveront les modes et moyens de conduire avec justesse l’ecclectisme
artistique.

Florence JOU

Le Magasin de Jouets, exposition Hombrias jusqu’au 17 Octobre.
La Vitrine, expositions renouvellées chaque mois.

The paintings are surcharged with art historical references, the tree seems to symbolize the proliferation of encumbrances. From old Masters to popular art, the artist shows us images of women, shaped by models of how to seem to be. Apparitions from mythology juxtaposes photographs of faces.
Superwomen and old hags, astronauts and temptresses are weaving through a witches brew of paint. These wondering souls are playing Casanova’s game looking for a way out of there encastration. Nevertheless, immobilized in the glowing headlights of the present, caught in the branches of the tree of destiny, their enlightenment will never materialize.
An allegory perhaps of our contemporary ecological and spiritual impasse. This sensitive and talented artist is still very young. I will be interested in work that she will show us in the future.

Kathleen Burlumi

en français:

Les peintures sont surchargés avec des références historiques et artistiques, l’arbre semble symboliser la prolifération des encombrements. Des maîtres anciens à l’art populaire, l’artiste nous montre des images de femmes, façonnés par des modèles de comment être au monde. Des apparitions de la mythologie juxtaposent des photographies de visages .
Superwomen et vieilles taupes, astronautes et tentatrices tissent à travers un breuvage de peinture de sorcières. Ces âmes errantes jouent le jeu de Casanova à la recherche d’un moyen de sortir de leur encastration. Néanmoins, immobilisé dans les phares lumineux du présent, pris dans les branches de l’arbre de la destinée, leur éclaircissement ne se matérialisera jamais.
C’est peut-être une allégorie de notre impasse écologique et spirituelle contemporaine. Cet artiste sensible et talentueux est encore très jeune. Je serai intéressé par les travaux qu’elle va nous montrer à l’avenir.

Kathleen Burlumi

voir la vidéo de l’exposition
Casanova-Forever
Alicia Paz
Vincent Olinet
Piet Moget
et une choix de la collection
L.A.C.Lieu d’art contemporain Sigean-Narbonne-France
du 27 juin au 26 septembre 2010

Bons baisers d’Alix :… sur un pont surbais(s)é

Est-ce vraiment un pont ? Oui ! ce n’est que de cela qu’il s’agit ! Alors, au moins, y danse-t-on ? Non, on ne fait que le passer pour aller aux Plombs, à l’enfermement ! Mais les avaient-on déjà volés ces plombs, plombier ou ferrailleur indélicat et sans vertu, en avait-on perdu le fil, en maçon bavard et incompétent ? Alors là non, non et non !

Alors quoi ? Jean-Christophe Alix veut-il, en poète saturnien ayant du plomb dans l’aile, se guérir de sa mélancolie par un probable saturnisme ; le mal par le mal ?

Décidément non, toujours non ! Alix va très bien. A peine concédera-t-il qu’il aurait aimé avoir un peu plus de plomb dans la tête, (mais l’on peut faire sans), pour tenter de rendre les soupirs, les désirs et les aveux des Dogaresses et des messes libertines des couvents sous les images de Saint-Marc .Peu importe, car comme le disait déjà Alfieri : »le culte des images et d’autres points du dogme ne seront jamais ceux qui, crus on non, influent sur la liberté politique »

Cela n’empêche donc pas d’être sur ce pont, d’avoir le pied léger malgré le plomb dans les chausses : Ah ! Casanova was here ! Certes !, et alors ? Il n’y aurait plus rien à dire ? oh, si ! il suffisait de savoir encore entendre les lèvres, les grandes, les petites, les vierges et les rouées, qu’elles soient sous le fard ou le duvet. Ah ! comme elles murmurent, épellent, sucent et se mêlent. Doux concert qui monte du canal où elles se mirent et qui rend fous les geôliers et les passants de hasard qui les entendront.

C’est ce monde, ces sensibilités-là, qu’à l’invitation des services culturels de la municipalité de Narbonne, J-C. Alix présente, à la manière du «off d’un in ! ». Son travail, une installation-sculpture, modeste d’envergure et d’espace, aura trouvé refuge au bas des escaliers conduisant au Musée, c’est-à-dire aux appartements de l’Evêque. C’est là, un peu, beaucoup, une marge, un « recantou » Mais après tout, avant que de rendre hommage à l’Evêque, c’était peut-être là l’endroit idéal pour un Vénitien d’honorer autrement sa fille, sa gouvernante… ou le sacristain ! Les soupirs sont ainsi en situation : il a tout compris et les contingences le servent : Alix for ever !

Daniel Bégard

photos: Jean-Christoph Alix

Arles. Séquence 1.

La tension retombe. Le bruit de l’obturateur se fait plus doux. Ici, les professionnels ont laissé place aux badauds, aux promeneurs, aux amoureux.
Faire le tri, se laisser surprendre, ouvrir des portes, en refermer d’autres. Ne pas hésiter à dire non, à prendre le temps de recevoir une image dans ces 41e rencontres de la photo, dont on ne sait pas toujours si le fil conducteur est « lourd » ou « piquant » et si le rhinocéros rose, marqué désormais du sceau « I hate photography », ne boit pas la tasse…
Quelques étapes, certaines tendues d’images, d’autres invisibles.
La collection Marin Karmitz à l’Eglise des frères précheurs. Dans ce lieu gothique magnifique, on est traversé par la beauté de l’argentique, on lit les visions floues et torturées de Mickael Ackermann, dans un livre qui se déploie et qui nous transporte dans les vertiges de ses voyages.

Dans le travail d’Antoine d’Agata, on côtoie des lieux de mémoire ou des personnages à la Bacon, poings et sexes noués, identités flottantes dans leur transgression.
Antoine d’Agata, qui durant la semaine professionnelle, autour d’un croissant, après le champagne éclusé, venait pour la balade et non la représentation, dans une touchante timidité.
L’artiste ne ressemble pas à ses images, pas toujours. Heureusement. Le photographe suit une obsession, certes, mais qu’il sublime et qu’il n’est pas. Artiste qui balbutie, qui refuse les codes, et qui apprend seul son langage, hors de l’école, à l’image de Mario Giacomelli.

Seconde Etape. La chapelle du Mejan, place Berberova.

Giacomelli n’a pas appris la photographie, a commencé par la peinture et n’a pas hésité à forcer les contrastes, se foutant sûrement d’être quelqu’un.
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Sonnaient les calmes
Voûtes, et les rues alentour,
À ta chanson sans fin,
Alors qu’assise à ton œuvre de femme
Tu t’appliquais, heureuse
De ce vague avenir que tu rêvais en toi.
C’était mai plein d’odeurs, et tu aimais
Passer ainsi le jour.
Extrait:A Sylvia. Leopardi.
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Lire la voix de Leopardi, parlant de Sylvia disparue trop jeune, ressentir l’amour, la terre natale jusqu’à l’abstraction, jusqu’à voir les traits de la terre, la chair de l’écorce….La série sur les prêtres et leurs jeux, tels des gamins, tels des taches d’encre de chine, proche des fantasmes felliniens…

Extrêmement poétique.

Mais parce que les maîtres sont si difficiles à oublier, il faut ensuite errer dans les rues, sentir le Mistral sur sa peau, se laver et chercher les pochoirs de Miss Tic, l’enfant des fifties, entre la galerie Arlatino où elle expose et les devantures, les porches, la piscine Tournesol, où ses phrases assasines ne prennent que plus de valeur.

Vers le Rhône, chacun se contemple: les hommes sont beaux, coiffés de leur panamas; les femmes sont avides de soleil et de glaces. Mais l’art dans tout ça…
A La Vitrine, tenue par Julie et Aurélie, il est bon de rentrer et de faire des rencontres, d’être dans l’échange simple, celui de deux jeunes femmes qui investissent cette maison arlésienne, tortueuse, en pente, délabrée, pour montrer leurs coups de coeur:
Mélanie Duchaussoy et ses montres hybrides, monotypes inquiétants.

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Jean-François Mosca, le voyageur, avec son moleskine sous le bras, qu’il a scanné parfois, fait éclater par anecdotes ses interrogations pessimistes sur une époque bouffée par la technologie….
Iris Martin scande « le cerveau est un muscle gras »et transforme barbie en « fat girl » …Et d’autres à découvrir.

Et surtout, ne pas oublier de voyager incognito….

Les rencontres de la photo, jusqu’au 19 Septembre. Expos de 10h à 19h.

de Florence JOU

Bal à Jau.
En pénêtrant le travail de Frédérique Loutz, on s’expose à guetter l’ombre d’une danseuse aux pas dyonisiaques et retenus.
En creux, forever, plane Casanova dans ses tableaux rêvés, ses acrobaties renversantes, ses yeux multiples qui sont autant de miroirs que d’appels à une entrée dans la chair du dessin.
Loutz dissémine des visages, des fragments de corps, des jeux de mots, des femmes maternelles. Elle se plaît à les superposer, à les enlacer pour que le tourbillon d’une vie explose à force de frivolités, d’apparences dans une société du spectacle en danger de représentation.

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Inquiétante étrangeté d’un monde où le regardeur ne sait plus si lui-même pourra encore voler un oeuf au-dessus des coulées volcaniques d’un polyptique.
A la croisée des langues, des couleurs saturées et de l’encre de chine, se décline l’envie pressante et urgente de la rencontre entre un homme et une femme, entre des lumières savantes et déclinantes.
Loutz touche l’esprit puis extrait les langues du corps qui s’étirent. Tout un réseau de personnages entament en écho, en rebonds, sur des fils invisibles d’une toile à une autre, d’un dessin minimal à un autre plus condensé des sarabandes.
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Au final, difficile de dire s’ils sont encore vivants, en attente de vie ou en fin de trajet. Des spectres colorés d’un colloque sentimental et surréaliste.
Lust ich.
Caprices.
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Art can be messy, gory, turgid or dirty. But as Kurt Schwitters said ; not every discarded bus ticket is interesting, unless transformed through the artists vision and intuition.
It is not enough to use ingredients which have fascinating qualities in themselves and employ them only to ‘illustrate’ ideas however relevant or profound these may be.
Anselm Kiefer has hitched himself to the biggest art – philosophical bandwagon in the world. A clever and determined man, he is obviously sensitive to the core of Joseph Beuys’ intense and visionary artistic practise, but he has nevertheless been annihilated rather than inspired by the power of the ‘Master’.
Being aware of spiritual, philosophical and ecological debate since the 2nd World War, does not necessarily make one an artist. In Kiefer, a small talent has been stuffed, embroidered, glued, burned and rehashed through heavily conventional means of picture making to the point of stale pretentiousness. M. Kiefer is wearing the King’s raiments, but no blood is flowing through his veins. – This is media – hyped art for the hungry, monied masses, impressive and well made, like a Hollywood blockbuster, but leaving no footprints in the soul.
Philip Guston created Alchemy with a small black line on paper – Edward Chillida with a block of softly sculpted stone. Richard Serra takes us under timeless compression to the centre of the earth, Mario Merz to the stars, and Gerhard Richter analyses the nature of becoming through doing. Dozens of artists far less known than Kiefer could exemplify magic, revelation and pertinence. Mr. Kiefer should steer himself back to humility, to the empty spaces, and start his journey all over again.

Respectfully
Kathleen Burlumi
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Anselm Kiefer. Salt of the Earth

1 giugno – 30 novembre 2011
Fondazione Vedova
VENEZIA
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Etait-ce un jeudi ?

J’ai beau changer le disque, je n’ai plus la force de résister à l’ordre immuable d’un nouveau
rituel auquel ma solitude me soumet.

Entre le salon et la terrasse, je vais et je viens. J’allume tout en même temps sur mon
passage : un clope, l’ordinateur, une lampe, l’ampli de la chaîne Sony. Je tire sur ma lucky strike, je
m’assieds et je pose mes mains sur la grande table.
Je tâtonne à la recherche de ce que j’ai perdu.
Je change le disque et je clique sur l’icône “game” aux premières mesures de l’opéra.
Roi, dame, valet.
Au jeu électronique, j’excelle à monter les as : rapidité, combine, ruse.
Rouges, noires, les cartes tombent.
Je relève haut la main le défi du score de la partie précédente affiché en haut de l’écran.
J’accumule les points en un temps minimum. Au terme de la scène 3 d’ Orphée, j’écrase mon
mégot et je reprends en chœur : …Accablé de regrets / Je parcours les forêts / La vaste enceinte /
Touché de mon destin / Echo répète en vain / Ma triste plainte.
La nuit tombe en plein jour.
Tant qu’il s’agit de jouer en solo, je mets tout le monde minable derrière moi ! Devrais-je y
voir un fait du hasard ou simplement considérer qu’à force d’habitude, je me suis fait la main à la
solitude ?
La vérité, c’est que lorsque le jeu s’achève et qu’il faut faire “pour de vrai”, il semble qu’Echo
fasse la sourde oreille, me laissant à la traîne, pantelante devant un tabernacle plein de moi-même.
Livrée à moi-même, au risque de me rencontrer pour de bon et de ne pas en réchapper. Moi,
commun des mortels qui n’ont rien de l’étoffe des héros.
Rien d’un David face à Goliath.
Les masques tombent devant l’adversaire, plus tentaculaire que l’hydre protéiforme dont je ne
doutais pas au temps de l’enfance que l’on puisse l’exterminer rapido.
Normal, puisque Hercule l’avait fait !

Métonymie amphigourique ou métaphore bafouillante ? J’invoque n’importe qui, j’invente
n’importe quoi pour me mettre en garde contre les écueils et les méfaits du solipsisme pratiqué à
haute dose.
Pour les autres, je serai plus empirique : la solitude – du latin solitudo, solus, – c’est quand on
est seul !
Pour dire autrement le sentiment qui s’est substitué à l’état dont, un moment je me réjouis,
je devrais accrocher à ma phrase une kyrielle de synonymes qui sonneraient creux comme un gong
maladroitement fondu : lassitude, ennui, morosité, monotonie. Dans un ultime sursaut, sur la dernière
page de mon cahier “main courante”, je fais genre et je trace :

F. A.
T. I.
G. U. É. E.

… Une lame qui transperce l’omoplate. La brûlure qui s’enroule sous le sein, la douleur qui
s’entortille sous la peau comme les vrilles des courges bedonnantes qui asphyxient les pousses vives
des heliconia. La cage thoracique s’enflamme. Le souffle se raréfie, sur le point de s’interrompre sous
l’étreinte délétère. Les spasmes et les contractions de l’estomac refluent jusqu’à la gorge nouée de
hoquets. Le corps ankylosé, bée jusqu’au plus intime de ses anfractuosités, de ses mystères et de ses
secrets.
Solitude du corps.
Il n’y a plus de décalcomanies ni de coloriages le matin au lever du jour. Mes lèvres closes
me renvoient dans ce mouvement immobile à ma seule présence. La colle sèche derrière les post-it
des petites joies et des minuscules bonheurs de midi, usés jusqu’à la trame. Les inserts des heures
chaudes se font la malle en vagissant à l’idée d’être validés : no enter. Les apostilles lunaires,
enluminées de nacre et d’ivoire se désagrègent dans les reflets de la silhouette gibbeuse de l’astre
qui se pointe, sans surprise, avec la ponctualité des geôliers à l’heure de la relève. L’imprimante
s’étrangle et régurgite dans un rot aigre et sonore le galimatias vespéral qu’on aurait voulu lui faire
avaler.
Solitude des mots.
Je ne distingue plus les ombres. Statiques, acérées, elles empalent l’air. Sur la terre glabre,
leurs contours hiératiques et aphasiques passent leur chemin en silence. La lumière zénithale se prend
les pieds dans son long voile de veuve outragée par l’insolence et l’arrogance de Messire Soleil qui
tente d’attirer l’attention sur les rayons qu’il a pris le plus grand soin de peigner, en catimini, au
dessus des volcans.
Solitude des songes.
Mes chimères, emmaillotées dans la camisole du temps, reposent dans le reliquaire profané
par les iconoclastes. Hier, aujourd’hui, demain. Pensées prises aux pièges dans les rets inextricables
des heures. Lentes et lourdes heures qui piétinent et trépignent au seuil d’un dénouement différé
dans l’instant qui prend des airs méprisants d’éternité. Au cou gracile des illusions et des mirages, un
jonc d’argent gravé aux armes de la tortionnaire ; à leurs chevilles, qui jugule leur course, le lien tenu
et imputrescible du temps mortifère.
Solitude des rêves.

Et si c’était pas un jeudi, mais un lundi… c’est tant pis.

***** Apichatpong Weerasethakul
***** B.O.S : Ben l’oncle Soul / HEART : Haute école d’art, Perpignan /
***** Patrickdesgachons@neuf.fr/
*****Musée régional d’art contemporain, Sérignan
***** / www.galerie-issert.com / *****CASANOVAFOREVER : www.fraclr.org.

photo: Daphné le Sergent-est-ouest/Château de Malves en Minervois

Ce travail sur la frontière entre la Corée du Sud et la Corée du Nord m’a amenée à la considérer tant dans sa réalité géographique que dans sa réverbération chez les individus. La frontière m’est apparue comme stigmate d’une absence, celle de l’autre, des coréens du Nord pour les coréens du Sud.
Ainsi, la frontière semble polariser la projection de cette absence à l’instar d’une image, si on considère
qu’une représentation est la présentation au regard d’un objet absent.

Le long du 38ème parallèle se construit sur des images photographiques et vidéo de la frontière coréenne, de la DMZ, zone démilitarisée entre les deux Corées autant que sur ses paysages périphériques (dispo-sitifs de surveillance militaire, plages à l’accès réglementé, circuits touristiques proposant la visite de la DMZ, observatoires sur la Corée du Nord), ou encore sur des scènes de la vie quotidienne.

Ces images s’agencent les unes avec les autres soit au travers d’un montage vidéo, soit au travers de
polyptiques de photographies, soit dans le croisement entre les deux médiums. Ces agencements,
dans les mises en lien qu’ils proposent au spectateur, en appellent à une lecture subjective et l’invitent
à explorer des images intériorisées. Et j’ai cherché à orienter ces agencements afin qu’ils suscitent des
images intérieures révélant les nœuds vécus, ancrés dans une possible mémoire de la séparation. J’ai
souhaité proposer une vision rémanente de la frontière.

This work on the border between South Korea and North Korea led me to consider both its
geographic reality and its reverberation among people. The border appeared to me as a sign of ab-
sence. The Absence of the Other, relating to the North Koreans for the South Koreans. Thus, the bor-
der seems to polarize the projection of this absence following the example of a picture, if one considers
that a representation is a sign of a missing object.

Along the 38th parallel is built upon photos and videos of the Korean border, the DMZ, demilitarized
zone between the two Koreas, as well as its peripherical landscapes (devices for military surveillance,
restricted entrance to the beaches, tours visiting the DMZ, observatories in front of North Korea), or
even scenes of everyday life.

These images work together, either through a video, or through polyptics photographs, or even in the
intersection between the two mediums. These arrangements, in making contacts, offer the viewer to
call for a subjective reading and invite exploration of interiorized images. I tried to guide these arran-
gements so that they generate images showing internal nodes of experiences, anchored in memory of
a possible separation. My aim is to propose an enduring vision of the border.

Retour sur quelques jeudis d’avant :

1 – La notion de la pauvreté n’est souvent commentée que du seul point de vue de la privation
(privation des moyens élémentaires de subsistance mesurée à l’aune d’une société hypra
consumériste) et de la conception univoque du dénuement matériel. Or l’actualité très récente
publiée (on ne peut plus discrètement) dans les colonnes d’un quotidien local soit disant
indépendant fournit le prétexte de réviser cette vision incomplète et de l’élargir. Il attire
l’attention sur une autre forme de pauvreté à laquelle certains, dans l’empressement de leurs
commentaires négligent de prêter attention : l’indigence intellectuelle, la pauvreté mentale et
spirituelle.
De ce type de misère qui coexiste avec l’opulence vulgaire de fortunes vaniteuses
frauduleusement acquises dans les urnes, la petite cité catalane est coutumière. Et je fulmine !
Une fois de plus. Une de plus pour rien. Certainement. 1,2… 5 ou 6, l’élite « culturelle » de la
ville s’offre impunément une seconde ou une troisième tournée de programmation dictatoriale à
grands coups de slogan : « De l’excellence de la médiocrité réitérée ».
La bande de broques lève le coude à la santé d’un public tenu pour n’avoir pas d’exigences.
Alors, boîte à clous, benvingut, Perpinye la catalane et autres catalaneries : rebelote. En
contrepartie : des musées moribonds, des jeunes femmes et de jeunes hommes en quête
d’asile artistique, une école d’art – plus ou moins supérieure – négligée, des librairies fermées,
un théâtre sans la chair des mots… Je me réfugie à L’Isba… on verra.

2 – Chez R. Meier, éditeur. Tout un jeudi avec Frédérique L. et Ernesto C. à naviguer dans les
rayonnages de l’amoureux des images et des mots, trafiquant de poètes, souteneur d’artistes et
de musiciens. R.M., passeur d’incertitudes qu’il prend plaisir, le temps d’un livre, à retenir dans
la trame plus ou moins serrée des pages imprimées. Passionnément.

3 – A Jau, avec Frédérique L. Penchée au dessus de ses raccommodages de papier, de
crayons et de couleurs liquides. Un bouquet ramassé le long de l’Agly ou de la vigne sur la
table de travail…, des fleurs dures, morbides, éternelles. Des objets. Partout des êtres sans
dessus dessous.

4 – Un jeudi, au soleil de la terrasse, sans me dérober aux jeux de mots et de sentiments trop
faciles, je pose des pansements sur ceux qui font mal au cœur et au corps. Dans mon carnet :
« Mon cher, mon tendre, mon merveilleux amour »

Ce même jeudi, tard dans la nuit, je lis l’édito d’A. Rouillé : « Un art-avoir allégorique ». Je sais
que je ne dois m’en tenir qu’au titre, au risque de… Et bien non ! Je fonce et je clique « lire la
suite » : Copié-collé. J’isole le seul fragment de phrase qui me semble à sauver […On est
moins convié à contempler et à goûter une série d'œuvres-objets, qu'à s'inscrire dans l'espace
d'un discours, dans un dispositif discursif dont les œuvres sont des éléments]. La suite de ma
lecture heureusement abolie dans la robe de sang et de soie d’un cabernet sauvignon
salvateur. Shut down the words.

5 – Comme jeudi, comme vendredi, comme samedi, comme dimanche lectures en cours,
achevées, entamées… Chacune d’elles me laissent à « marée basse », abandonneuse de
cendriers que je remplis jusqu’à l’excédent en tapotant quelques lignes qui partent en fumée à
la lecture.

6 – Et si c’est un autre jour ? Lequel ? Je n’y ai pas prêté attention. En post-de quelques
échanges de correspondance, je remplis mon carquois de flèches venimeuses et je tire à vue
des « jurys » et des juges qui décernent les labels du « bien fait », s’accordant de leurs critères,
oublieux que le « mal fait » est légitime.

7 – Encore un jeudi. Sans image, mais accompagné d’une partition déchiffrée et entendue tout
à un jour dans la solitude blanche d’une chambre à Lisbonne : Goldberg variations BWV 988.

Ce soir, dimanche, ici, il pleut.

RDV [AC] – 1 BIS PLACE BARDOU-JOB – 66000 PERPIGNAN – RDVAC66@GMAIL.COM

Au grand jeu des papiers du LAC, on passe facilement de la jubilation à l’interrogation (mais jamais à la consternation ! ) , et de la félicité à la perplexité ! Bien entendu il n’y a pas de papier d’assignation, ni de papier de soie, rien n’est obligé tout est vrai ! Mais qui dit papier dit matière et manière, et souvent signature ! Retour alors à la perplexité, car il y dans le lot un papier sans identité !

Le voici ! et il rend la perplexité quasi douloureuse ! De qui sont ces signes de silhouettes qui marchent, s’arrêtent, regardent se parlent, soliloquent, leurs ombres fidèles couchées à leurs pieds ?

Attention ! car de trop les fixer peut conduire à l’anxiété, après tout, n’est-ce pas là un sortilège, une magie noire et blanche, ? peut-être a –t-on accroché un simple papier blanc, et, depuis ceux et celles qui passent devant lui , le regardent, y seront irrémédiablement fixés ! …..perplexités !

Mais perplexités naturelles, il faut raison garder, ce n’est là que le bon dessin d’une bonne plume, ou du fin pinceau d’un artiste attentif aux attitudes et comportements de ses contemporains. Alors un dessinateur, illustrateur de presse, mais qui ? le thème pourrait être d’un Sempé, mais le thème seulement ! alors qui, et si ? on se souviendra d’avoir vu des choses comme ça, des foules rendues par des traits pertinents, mais chez qui ?, Ah ! le jeune Opalka peut être et ici même au LAC, mais, mais il y en aura toujours un mais, en ce mois de Mai ! car forcément tout cela doit finir par la … signature !

Et iI y a en une, et nette, mais qu’elle soit lisible c’est autre chose ! On tentera donc de déchiffrer : deux lettres (pour le prénom ?) un c /h ou c-y ! et une suite griffonnée en patronyme, commençant par un U, un N, un O ? ensuite un j, un p, un l ? perplexité !

Je renonce, nous renonçons ! comme Piet, et Layla Moget ! et ce travail demeure le seul inconnu de la centaine de papiers peuplant les murs du LAC. Autant dire que si vous « savez qui » est l’artiste inconnu ….
Vous aurez le droit à l’arc de triomphe d’une admiration considérable !

Daniel Bégard. 3 /5/10

Galerie Donald Browne

On ne sait si une bonne et rare Pandore, fille d’entre terre et eau, y est pour quelque chose ; ou si, plus prosaïquement, Piet Moget mis de l’ordre dans ses greniers. Peu importe.

On peut voir en effet au LAC, une boîte, à souvenirs, une malle à jouets, un coffre à trésors, un album de famille élargie, ou un kit didactique pour revoir un demi-siècle d’histoire de l’art. Ce sera comme l’on voudra, il suffira d’avoir l’oeil fouilleur ! .Mais avant de l’ouvrir il faudra vivre un effet de dépaysement, car l’accrochage tranche avec les habitudes de la maison !
Cette rupture s’avère toutefois une fort bonne idée. Nous ne sommes plus en effet, dans une muséologie traditionnelle mais dans l’intimité d’un cabinet de curiosités. Et la nouveauté en devient ludique. Car au-delà des facilités de reconnaissances : Ben, Buffet, Calder, il y aura des identifications plus difficiles : ces tracés fulgurants, de Daniel Dezeuze, ces gestes graphes de Messager entre autres ; des énigmes aussi, ce petit paysage fait penser à ?…..et cette petite nature morte avec fruits ? Ailleurs on rencontrera l’oublié Aubertin et ses allumettes, ou l’affirmation affectueuse de la présence d’un ami disparu, Matias Spescha. Enfin, deux grands dessins sur papier dominent, l’un dû à Piet Moget, l’autre de sa compagne Mary Schallenberg qui font ainsi figures de bienveillants totems.

En effet, la curiosité, le jeu, l’amitié, les admirations, les rencontres de hasard, durables ou éphémères, s’imposent à l’évidence comme la source de tout cela. Ce sont là des traces, de vies, de choix artistiques et éthiques que l’on nous propose. .Avec amitié et sens du partage, ce qui ne se refuse jamais.

à suivre…

Daniel Bégard
olé magazine

Sur le plancher étroit, autour de deux tables se serre un petit groupe
bavard, le seul à faire place à quelques femmes. (Développer)
Abrités par une marquise dégarnie à qui personne n’aurait l’indécence de
demander son âge, les unes et les autres se congratulent et se félicitent de leur
activisme cyber et de leur rébellion virtuelle, sachant inéluctable et irréversible les
décisions que les édiles locaux ourdissent au cours de conciliabules interdits au
public :
– DÉMOLITION DES BARAQUES DU MARCHÉ ?
– Voté à l’unanimité…

Personne n’est dupe ! Et surtout pas moi…
Coup d’œil panoramique. Je pense à ailleurs, je songe à une personne que
je ne connais pas vraiment et qui a ses quartiers ici. Elle gueule un peu plus fort
que moi, pas de la même manière, en tout cas. (Développer)

OK ! Retour sur le périmètre un peu branlant qui saucissonne vaille que
vaille avec un seul opinel et deux assiettes. Face à nous, entre les étals et les
cabanes de fruits, légumes, pinard et triperie, foule affairée du samedi, indifférente
aux petits arrangements avec les deals quotidiens qui se négocient dans
l’échancrure d’un porche délabré, à la barbe des hommes en bleu tapis dans leur
bunker tout autant qu’à cette jeune infirme immobile dans son fauteuil, oubliée au
milieu de la rue encombrée, les écouteurs de son MP3 dans les oreilles. Je quitte
la terrasse et je m’approche. Elle balance doucement la tête : « Nostalgie is not so
glamorous » chante Marylin. Elle n’entend donc pas les sirènes qui n’escortent pas
ici le départ d’un cargo, mais préludent à l’arrivée en trombe d’un cortège de
voitures portant cocarde. J’écarte son fauteuil de justesse.
– Merci, dit-elle.
Un frisson parcourt ma nuque. (Développer : sirènes, alarmes cf. « Crois-tu
mon amour, que demain c’est la guerre ? »)

Faire diversion en goûtant l’huile d’Isabelle et Gildas.
Des tracts circulent qui en font à peine sursauter quelques uns.
Doris, l’acrobate déboulée de Suisse, elle, s’élance à leur propos, sans filets
avec son appareil photo à l’assaut de visages inconnus. Elle rebondit souplement
sur les regards évadés au-delà d’un horizon suggéré par le mouvement des lèvres.
Son dictaphone demande la permission et pirouette des uns aux autres ;
s’immobilise sur des sonorités rauques et chuintantes.
– Mais oui, on ne veut pas…

– Mais non, on veut…

La suite, en temps voulu sur : documentary.art-net.

Pierre se racle la gorge, se concentre sur la petite boule noire qui
enregistre. L’hombre commente et me surveille de loin : Be wise S, be wise…
L’ami à la canne au pommeau d’argent, qu’il se reconnaisse, y passe à son tour,
presque balbutiant lorsque lui revient de se rapprocher du micro de la fouineuse.

Celui qui s’écrit avec deux N à « cabanne » essuie la mousse de la bière sur ses
moustaches.
Patati et blablabla…
Pas facile d’inverser les rôles parfois.

Intermède :
L’un : « Julien, 2 autres verres, s’il te plait ».
Elle : « Jambon ? Pâté cabane ? »
Lui : « Passe-moi du pain et signez la pétition. Ah t’es sur fessebouque toi
aussi ? »
Une autre : «ouais… Oui, y’a l’eau courante à Saint-Jacques. Mais y’avait
pas d’ampoule aux toilettes.»

Replongée autour de moi derrière me lunettes noires : sapés comme des
princes, ce sont les habitants du quartier qui s’enroulent ce jour de printemps avant
l’heure dans de vastes écharpes. La frilosité serait-elle le nouveau virus à
endiguer ? (Les autres béent dans les bunkers creusés profonds pour vivre
heureux : ah bon ! Mais on savait pas.)

Voix off  En d’autres circonstances aussi et toujours d’actualité : « Mais on
savait rien, c’est pas not’faute ». (Développer… toujours la même histoire, toujours
les mêmes colères)

La frilosité ! Ce fameux virus transmissible au cours de traversées
périlleuses qui mettent le cap vers des contrées lointaines : AILLEURS espèrent les
poètes, les AUTRES, répondent les curieux.

STOP !
Autour de la table : Tu nous emmerdes avec tes histoires.

Donc, moi : shopping express avant démontage du marché en n’oubliant pas
l’essentiel malgré la tentation d’acheter, pour 12 € – c’est quand même pas très
cher – un colossal tractopelle.
– Salade, tomates, ciboulette… y’en a plus ma brave dame.
– Bon ben je prends la paire d’escarpins rouges… oui avec les pompons.

… A peine un peu plus tard, au soleil avec l’artychienne sur notre terrasse : « Au
fait, c’est qui Joseph Cassanyes ? ».

Sophie Tourneur Phéline

Aventuriers et libertins au siècle des lumières

Il évoquera aussi les étapes que Casanova fit en Languedoc-Roussillon et les circonstances
de sa halte à Perpignan.
Casanova sera au rendez vous estival du château de jau et de la forteresse
de Salses, durant l’été prochain, avec deux expositions sur le thème « Casanova Forever. »

Par ailleurs, Jean-Claude Hauc a souvent collaboré avec des artistes. Il évoquera ce travail à
4 mains récemment réalisé avec Daniel Dezeuze,

Les Petites Marquises

Depuis de nombreuses années, parallèlement à ses activités de romancier, Jean-Claude
Hauc s’intéresse aux aventuriers et aux libertins du siècle des Lumières auxquels il vient de consacrer
son dernier ouvrage. Parmi ceux-ci, Casanova est assurément celui sur lequel il a le plus travaillé, et
c’est à ce titre que le FRAC Languedoc-Roussillon lui a demandé de préparer un cycle de
conférences et de coordonner la partie scientifique du catalogue à paraître lors de la biennale
Casanova forever durant l’été 2010. Ayant parcouru notre région (de Perpignan à Nîmes) au début de
l’année 1769, Casanova constitue à n’en pas douter la figure tutélaire la plus à même de fédérer
artistes et écrivains à l’occasion de cette fête visant à célébrer aussi bien l’esprit que les sens.

Sur J.C. HAUC : éditions Cadex, éditions Harmattan, Le Matricule des Anges…/ sur
CASANOVA FOREVER : www.fraclr.org

Avec la participation de Jean-Michel Phéline, administrateur de la Forteresse de Salses, Sophie Tourneur-
Phéline, directrice artistique association RDV[ac], Hélène Audiffren, directrice du M.R.A.C, Sérignan et la
complicité du Jaja de Jau autour d’un verre.

Illustration : Frédérique Loutz, Le CAS anova. 2009- © Gal. Claudine Papillon ]]> http://documentary-art.net/blog/perpignan-le-rendez-vous-des-aventuriers/feed/ 0 http://documentary-art.net/blog/650/ http://documentary-art.net/blog/650/#comments Fri, 05 Mar 2010 17:43:00 +0000 Sophie http://documentary-art.net/blog/?p=650

ARMORY ARTS WEEK 2010, every March, artists, galleries, collectors, critics and
curators from all over the world make New York their destination during Armory Arts Week.
Events include special receptions, open studios, art tours, museum discounts, performances,
panels, artist discussions :
Questions : « A QUI SERVENT LES ARTISTES ? »
« L’ART POUR QUOI FAIRE ? »
« IS THAT ART ? »

Answers : 1 – Artists take part of enjoyable parties ? 2 – Art provides unforgettable parties ?
3 – Art makes you feel better ? 4 – STOP, STOP !
5 Enjoy art and artists : Stéphane Sautour, « Les invisibles », galerie
Loevenbruck, Paris / www.davidbioules.wordpress.com / John Baladassari, ”Pure beauty”, MACBA, Barcelone /”Photos ou pas photos”, Castang galerie, Perpignan /
“Lignes de chance”, Fondation d’entreprise Ricard, Paris. / le-beau-vice.blogspot.com

NO FOCUS today, instead of no milk today (comme dans la fameuse
chanson d’après la guerre d’Algérie).

Mais dans ma chansonnette de ce jeudi, ce n’est pas cause de pénurie… Ce serait
l’inverse : l’embarras du choix.
Ah, la question de choix !

Ça me rappelle lorsque j’accompagnais dans ses dérives un dinosaure aujourd’hui
disparu, Richard Baquié. La nuit nous roulions sur la corniche vers l’Estaque, je conduisais, il dessinait, il faisait des projets, nous étions un peu ivres. Nous parlions toute la nuit, sans but et d’un coup, il disait : « Tu dois choisir, tu roules à droite ou à gauche… mais tu choisis. Tu choisis.
Les artistes passent leur temps à choisir. »
Cette petite phrase en a fait de bien plus longues imaginez vous depuis le temps !
Alors, ce soir, mais en faisant court, donc sous forme de brèves voici ce que j’ai choisi de
partager : 1- la gueule superbement déglingue d’Eddy Mitchell sur les colonnes Morris, 2- le striptease de la Tour Eiffel dans le ciel outrageusement poudré de Paris, un petit matin lorsque je vais me coucher, 3- ce couple enlacé dans les allées du Grand Palais qui tente de tordre le cou à des souvenirs qu’ils voudraient oublier et qui n’attendent pas Christian Boltanski pour surgir au détour de leurs regards échangés, 4- la coïncidence des images entre les façades d’Yves Belorger, les containers d’une écrivaine – photographe, des accumulations de palettes le long de l’autoroute et les tableaux d’Edi Hela dont j’ai déjà parlé, 5- les banalités qui s’échangent les soirs de vernissage et l’indifférence à tout ce cirque dans les ateliers de Marc, de Marlène, de Jacques, de Michaël Woolworth 6- quelques nouvelles d’ici un peu molles et les dernières cabanes qui arrivent : YES ! , 7- l’annonce au Palais de Tokyo de la perspective d’un Bel Eté, sexy et aventureux : hayo sur CASANOVAFOREVER, all over the Languedoc-Roussillon, 8- le choix de faire silence sur d’autres choses 9- un petit flash back en quittant Paris hier soir. Le labyrinthe du
métro morne et silencieux comme un dimanche soir. Enfiler comme un
automate couloirs, escaliers, encore couloirs, dernier escalier, se claquemurer dans son manteau en feignant d’ignorer l’étreinte glacée des mains de la nuit. Hisser un bagage trop lourd jusqu’à ma balé à Paris, enfin ma case ou si vous préférez ma chaumière, ma piaule quoi, ma tôle.
Mais non pas un taudis ! Ni un gourbi, pour qui vous me prenez vous ?
Pas tout à fait comme mon cabanon aux Goudes, un peu dans le genre d’un
perchoir ou d’une gloriette. A peine plus grand qu’une logette, certes.
Cernée de maisonnettes et de cahutes. Oui, avec niche pour chien…
Un château, un palais ? En quelque sorte.

C’est là, avant dernière rue, à l’angle du boulevard des Pyrénées.
A gauche, puis à droite, porte rouge, digicode 1, digicode 2. Un étage, deux
étages, parquet qui craque, trois étages, réamorcer la minuterie. Encore
deux étages.
Deux portes sur le palier. A gauche toute. Clefs dans la serrure.

Bienvenus dans ma cabane, – les cabanes… the end ce soir, mais à
suivre pour ceux qui ont répondu.

ACTU… GO TO THE U.S! SUS A L’ARMORYSHOW ( l’artychienne
part dans 3 jours)

- Prendre son temps ?
- Le plus longtemps…
- Gagner du temps ?
- Sur qui ? Sur quoi …
- Perdre son temps ?
-…………………………………………………………………
Si je peux me permettre; en ce qui me concerne : le temps de me perdre.

Bien, vous avez compris !
La semaine dernière j’ai parlé du lieu. Ce soir, je parle du temps; enfin je
souhaitais en parler ! André Rouillé eut un temps d’avance sur moi. « Qu’est-
ce-que le contemporain ? » magistral…
Il a toujours un billet d’avance sur moi; bof, c’est comme ça, c’est normal.
Donc, au cœur des questions que je me pose et que j’impose aux artistes que
je fréquente : « Et le temps ?, ça compte comment pour vous, pour toi ? »
Le temps qu’il fait ?
L’air du temps ?
Le temps, c’est de l’argent… vulgaire, non ?
Emploi du temps. Trop flippant.
Revenir à l’essentiel .
C’est quoi être de son temps ?

Prends –tu/ Prenez –vous vous le temps ?

Evidemment j’ai un faible pour ceux qui rétorquent :
- L’art du temps… tu en parles de l’art du temps ?

Ho la la !
Ça devient compliqué… on est jeudi.
Demain, il faut encore avoir la tête fraîche, donc je vais vite fait zapper sur le
temps de l’art, le temps pour l’art, histoire de ne pas vous prendre trop de
temps.

ÇA SE PASSE PRÈS DE CHEZ VOUS 10-04
IT’S HAPPENING NEAR YOU / TÉ LLOC A PROP DE CASA

ARTYSHOWS … pas que pour artychienne qui accorde du temps au
temps

Montpellier – galerie Iconoscope 30 avril

Edi HELA Les temps satellites
www.iconoscope.fr

Portraits d’architectures qui se voudraient
« de leur temps », délaissées au bord de
nowhere ; Une manière de s’inscrire dans le
temps et d’y échapper. Le temps romantique.

Sérignan – M.R.A.C 6 juin

Architecture en ligne
www.museedartcontemporain@cr-languedocroussillon.fr

A dessein, plusieurs artistes
ici réunis, le temps, celui qui ne se mesure
pas, de l’idée, du projet, du dessin
d’architectures à la réalisation de celles-ci.
Le temps des utopies ??????????????????

Sète – C.R.A.C  25 avril
Florence Paradeis . Drink in the Park

L’extra – ordinaire surgit dans des arrêts sur images
sur rien que de très ordinaire. Le temps d’une pause.

Collioure – Musée d’art moderne 5 avril

Point / Bascule
Villa Pams, rte de Port Vendres

ÇA SE PASSE PRÈS DE CHEZ VOUS 10-04
IT’S HAPPENING NEAR YOU / TÉ LLOC A PROP DE CASA

Amandine Artaud .. du temps à consumer
sans modération.

VU là : Les sexe-toys de Stephen Marsden
.
ENTENDU ici : des promesses fallacieuses

et ailleurs des conversations cabotines

LU plus loin : Mettray Ce n’est pas seulement en rapport à Jean Genet ( né il y a un siècle, déjà), c’est aussi le nom de la revue créée par Didier Morin en 2001 qui consacre chaque parution à un artiste invité. Le dernier numéro est consacré à Bernard Plossu Le voyage mexicain 1965-66 www.mettray.com
RELU là-bas : Jean- Luc Nancy Au fond des images (revenir page 70) ECOUTÉ en boucle un peu partout : Winter song by Avashai Cohen TRIÉ des cabanes arrivées de partout :

parfois toutes retournées par un étrange
voyage.


FAIT le rêve fou …d’ une cabane tellement incongrue pour ici que je
l’appellerai l’isba.

PAS VU, PAS ENTENDU, PAS LU, NI RELU, NI ECOUTÉ tant de choses…The place
to be ! Vous avez souvent le sentiment, vous, d’être au bon endroit au bon
moment ?

!
FOCUS PERPIGNAN  DESSINE-MOI UNE CABANE part one.
Place Cassanyes, rdvac66@gmail.com , 5 – 25 février 2010

Si je dis « La mort de l’art ??? », l’artychienne, allongée aux côtés de son copain Hegel, le
chat roux, soupire et rêvasse : « Ah ! l’amooooooooooore de l’art… ».
Si je lui dis, « La mort dans l’art ??? », elle se crispe : « Les morts, les disparus, les oubliés à
jamais et pour toujours ? Ou bien ce que j’ai évoqué dans mon billet précédent, m’esquivant sur une
pointe d’ironie du commentaire plus grave que requiert l’œuvre de Christian Boltanski ou d’Erik
Dietman ? »
Court silence.
– Tu veux parler de l’actualité ? Elle pose sur ma pile de papiers le communiqué de presse du
musée Maillol (à Paris. Pas celui d’ici ; dounotdrim !). C’est la vie ! – Vanités de Caravage à Damien
Hirst, « … un parcours singulier des vanités et de la représentation de la mort à travers les différentes
périodes de l’histoire de l’art. »
Plus inspirée par la lumière d’avant printemps qui fait ses premiers dans les rues d’ici, que par
les grands sujets de la vie et de l’art, nous allons rôder. Dans mes poches, mon attirail : Ovide,
clopes, crayon, carnet et… sait-on jamais, mon téléphone. Petits tours et détours, envie d’un café au
soleil. Direction place Cassanyes, comme toujours sous haute surveillance : caméras, ambulance,
odeurs de menthe, de coriandre, de rôtisserie et de miel. Café fermé ! Trois courses. Échange de
nouvelles avec madame Auger qui a fardé son joli sourire d’un soupçon de résignation. On va lui
casser sa cabane ! L’artychienne me regarde : « Elle est triste ? »
On fait demi-tour, toujours à la recherche d’un café au soleil. Je change d’itinéraire et j’en profite pour
faire quelques photos que je bidouille à
ma manière. (Pour ceux qui ne connaissent pas, c’est l’entrée de l’ex. école de dessin de Perpignan).

L’artychienne exaspérée par mon silence tire sur sa laisse et hausse le ton : « Ho ! Réponds –
moi, elle est triste la bouchère ? ( c’est Madame Auger) ».
- Oui, elle est triste. Elle a la mort dans l’âme.
- « La mort dans l’âme ???? » Qu’est ce qu’on peut faire pour elle ? Une nouvelle cabane ?

Et si je vous passais la main pour un prochain billet ? En me dessinant une cabane
par exemple… et pour ceux qui ne savent qu’écrire, écrivez-moi une cabane.

Sophie Phéline

Ë A l’initiative de l’Ambassade de France à Berlin, et pour faire suite au succès rencontré en 2009 par un premier échange de galeries entre Paris et Berlin / Berlin et Paris, une seconde édition de cette manifestation est proposée à Berlin (15.01.- 23.01.2010) puis à Paris (29.01.- 06.02.2010).
L’édition 2010 a pour ambition d’élargir le réseau des acteurs de la scène artistique contemporaine des deux villes.

www.berlin-paris.com

Quelques un des artistes :Clément Rodzielski,Yona Friedman,Camille Henrot, Louise Hervé & Chloé Maillet, Ernesto Sartori, Anne-Marie Schneider, Francis Picabia, Dove Allouche, Martin Barré, Jorge Queiroz, Mathieu Matégot, Kolkoz, Allan Sekula, Maja Bajevic, Mark Raidpere, Raphaël Zarka, Jordi Colomer, Aernout Mik, Paul Graham, Goran Petercol, Evariste Richer, Kitty Kraus, Rosa Barba, Gerold Miller, Matti Braun, Nathan Carter, Gabriel Kuri
Les Galeries : Marcelle Alix, Carlos Cardenas, Carlier, Gebauer, Chert, Mehdi Chouakri, Konrad Fischer, Galerie 1900-2000, Gaudel de Stampa, Balice Hertling, Jousse entreprise, Kamm, Johann König, Kamel Mennour, Nelson-Freeman, Neugerriemschneider, Neu, Croy Nielsen, Nathalie Obadia, Emmanuel Perrotin, Gregor Podnar, Michel Rein, Denise René rive gauche, Schleicher+Lange, Esther Schipper, Nathalie Seroussi, Sommer & Kohl, Wentrup.

ça se passe près de chez vous… ou pas très loin.

! FEUILLE DE ROUTE…..entre autres choses.

Ë Perpignan : PATRICK des GACHONS
« 77 / 100 »
Atelier Licence 3
[3, place de Belgique / sur rendez-vous]

LUCEBERT, BRECHT & Pieter BOERSMA
Acentmètresducentredumonde
15-01 / 28-03
[3, avenue de Grande Bretagne - tlj / 14h -18h]

Ë Collioure : SERGE FAUCHIER, « Des peintures grandes et petites »
Galerie du Tenyidor
[10 rue de la Prud'homie – jusqu’au 28]

Ë Montpellier : «CLIC – CLAC»
FRAC Languedoc-Roussillon
[3, rue Rambaud - 7-01 / 01-04]

MAËLLE LABUSSIÈRE – ÈVE MAILLOT
Galerie AL/MA
22 – 01 / 27 -02
[14, rue Aristide Ollivier – du mardi au samedi, 15h – 19h

Ë Toulouse : « Barceló avant Barceló, 1973 – 1982 »
Les Abattoirs
[76 allées Charles-de-Fitte – www.lesabattoirs.org]

Ë Paris : « RESET », Gabriel Abrantes et Benjamin Crotty, Bertille Bak et Charles-Henry
Fertin, Bertrand Dezoteux, Sarah Lis, Florian Pugnaire et Tamara de Wehr
Fondation Paul Ricard – Commissaire Christophe Kihm
19 – 01 / 20 – 02
[12 rue Boissy d'Anglas, 75 008 – du mardi au samedi 11h - 19h]

Monumenta 2010, Christian Boltanski, « Personnes »
Grand Palais,
[ jusqu’au 21 - 02 / www. monumenta.informations.com]

Christian Boltanski, « Après »,
MACVAL, Musée d’art contemporain de Vitry-sur-Seine
[jusqu'au 23 - 03 / www.macval.fr]

GALERIES
programme sur : www.galeriesmodedemploi.com

“Un groupe de femmes de la cité des Platanes invitent les habitants du narbonnais à découvrir leurs travaux d’écritures et d’arts plastiques, dans le cadre de l’exposition “Femmes de demain en noir et blanc. Encres pour textes et silhouettes”.

Cette exposition est l’aboutissement d’un travail mené d’octobre 2008 à mai 2009 dans le cadre des ateliers du centre social AMPG de la Résidence des Platanes à Narbonne.

Un financement accordé par la caisse d’Epargne Languedoc Roussillon à permis à l’AMPG de s’entourer de professionels pour aboutir à cette qualité : l’Association Cépages dEncres, au travers de Françoise PARAN et Henry MIGAUD pour mener les ateliers d’écriture; Fernand SOUAL et Bruno SELLENET de l’Association Aux Z’Arts, pour explorer l’expression artistique dans le domaine des arts plasitques.

Les intervenants des Associations Cépages d’Encre et Aux Z’Arts ont dévéloppé une approche ludique pour guider le groupe dans la créativité et l’amener à s’engager dans une démarche artistique.

La thématique dominante et dévéloppée au fil des séances est restée: l’écriture, le trait, le signe et la lettre pour progresser vers le texte, la texture et le textile.

La relation privilégiée qui s’est nouée entre le groupe et les intervenants a permis de rendre ces ateliers conviviaux , ouverts et spontanés, un lieu où la parole a circulé en toute spontanéité et confiance, un lieu où l’expression artistique de chacune s’est exprimée en toute liberté.

La bande sonore qui diffuse des chants, des voix récitants les textes, des scènes de vie sur la Résidence des Platanes… à été réalisée par Michel Laurant (de l’Association Cépages d’Encres), en situation pendant les ateliers ou lors de visites de la cité.

Enfin, la Mairie de Narbonne au travers de Madame CATHALA, a soutenu ce projet dès son démarrage et a permis de faire valoir leur démarche artistique, dans un haut lieu culturel de la ville de Narbonne.

Il existe une question, simple, qui ne nous vient pas naturellement. Qu’est-ce que l’art pour nous, comment se vit-il, ? se fait-il ? qui le produit et pourquoi ? .Or, il ne s’agit là, que d’un devoir que nous devrions avoir au nom de notre citoyenneté, une exigence lointaine d’un précepte platonicien « recherchez l’âme au moyen de ce que les yeux perçoivent ».

Chacun sait, fut-ce vaguement qu’il existe des politiques culturelles et des acteurs
multiples du même nom, supposés entretenir au nom de la République si ce n’est le goût des arts, au moins l’idée qu’il puisse y en avoir un ! . Mais ce constat suffit rarement. Il faut donc revenir à notre exigence car si le pouvoir politique est loin de nos impulsions et de nos désirs, l’art, par les artistes qui le font est-il, lui, plus proche de nous et de nos attentes ?

Narbonne aura connu cet hiver, un ensemble de situations construites autour de la mise en œuvre de l’exposition-atelier de Serge Griggio qui permet peut-être d’y voir plus clair. À l’origine une proposition peu fréquente, un artiste invité à présenter son travail dans un lieu dédié, souhaite faire de celui-ci temporairement son atelier. Proposition que soutiendra l’équipe culturelle de la municipalité. Ce qui suivra va devenir alors une aventure humaine et artistique, insolite et passionnante.

Dans un atelier, on travaille, on produit. Griggio y peint pour lui, mais il y enseigne ou initie jeunes élèves et collégiens. Dans un atelier, on se rencontre, on se parle, on échange des idées et des outils. Les artistes invités y laisseront leurs propres travaux, les commenteront, feront réseau pour porter leur part du projet. Les collectionneurs, les amateurs seront aussi de la partie, et d’autres disciplines s’y mêleront et s’y confronteront.

Bruno Sellenet

Daniel Bégard.

Rendez-vous à l’atelier
Exposition prolongée du 13 au 20 décembre 2009
et du 4 janvier au 14 février 2010
“AU BRUIT DES FONTAINES”
DECOUVERTE D’ŒUVRES DES ARTISTES INVITES
DANS LE CADRE DE L’EXPOSITION DE SERGE GRIGGIO A LA CHAPELLE DES PENITENTS BLEUS
4 JANVIER – 14 FEVRIER 2010

.
Du 4 au 10 janvier 2010 : les œuvres de Yseult Houssais et Florian Guillet
Du 11 au 17 janvier 2010 : les œuvres de Piero Mosti-Dusi
Du 18 au 24 janvier 2010 : les œuvres de Gilbert Garcia et Muriel Navarro
Du 25 au 31 janvier 2010 : les œuvres de Daniel Bégard, Fernand Soual, Bruno Sellenet et Claude Meurisset.
Noir de l’aube, Jour brun
Nuits blanches
À propos de Paul Celan
pdf à télécharger ici:

Du 1er au 7 février 2010 : les œuvres de Chantal Lekim-Paicheler
Du 8 au 14 février2010 : les œuvres de Véronique Vialade-Marin et
Claudio Cravero

PROGRAMME DE RENCONTRES DANS LE CADRE DE L’EXPOSITION DE SERGE GRIGGIO
A LA CHAPELLE DES PENITENTS BLEUS
“RENDEZ-VOUS A L’ATELIER”
4 JANVIER – 14 FEVRIER 2010

Mercredi 13 janvier à 18h30:
Pier Giorgio Corchia, directeur de galerie d’Art
Patricia Livolsi, artiste
Rencontre – Lecture d’auteurs italiens

Mercredi 27 janvier à 16h15 :
“ Autour de l’œuvre de Paul Celan”
Daniel Bégard, critique d’art
Bruno Sellenet, plasticien
Fernand Soual, plasticien
Claude Meurisset, plasticien
Entretien – Lecture d’extraits de poèmes de Paul Celan par Doris Schläpfer et Remy Soual

Mercredi 10 février à 18h30 :
Véronique Vialade-Marin, professeur de Lettres, photographe
Dominique Marin, psychanalyste

Vendredi 12 février à 18h30 :
Présentation des tableaux de Serge Griggio réalisés durant l’exposition “Rendez-vous à l’atelier”

Carte blanche à de jeunes créateurs
invités par Serge GRIGGIO dans le cadre des Rendez-vous à l’atelier

Le Samedi 12 décembre à 18h30
en présence des artistes :
Seloia Achouri – Maeva Barrière – Idriss Bigou Gilles – Sophie Minana
Pauline Moulis – Gaëlle Navarro – Lisa Roques – Sandra Rossi
ainsi que les dessins réalisés par les élèves de Narbonne
et les jeunes de l’hôpital de jour lors de leur visite à l’atelier
La soirée sera ponctuée par diverses interventions musicales, artistiques et littéraires.
Tristan Laroye (vidéo art) – Bizern (lectures extraites du roman Vertiges)
Stéphane Kowalczyk (installation vidéo) – Grand destin (rap)
Lez’Arts abstraits (rock) – Flavio Griggio (batterie)
Carte blanche à de jeunes créateurs
invités par Serge GRIGGIO dans le cadre des Rendez-vous à l’atelier

Au bruit des fontaines : l’art contemporain et quotidien en région. Découvertes d’œuvres,
les artistes invités aux Pénitents Bleus . Narbonne du 14/10 au 2/12 2009

Présentant un ensemble de travaux qui sont autant de témoins de ma vie de créateur en région, j’ai souhaité inviter, pour partager ce moment, les artistes que j’ai connus au cours de ces années , et dont j’ai apprécié le travail . Il y a bien sûr entre nous des liens d’amitié et d’estime réciproque, mais aussi et peut être surtout une sorte de solidarité qui tient à ce que nous affrontions les mêmes conditions pour créer une œuvre artistique en région tout en restant profondément attachés à celle-ci , ce quelles que soient nos origines et nos choix esthétiques . Ces artistes montreront un choix de leurs œuvres récentes , à tour de rôle , au sein de ma rétrospective, d’autre part ils présenteront celles-ci à nos visiteurs selon le programme des rencontres joint . J’espère vous retrouver nombreux à chacune de ces occasions

Serge Griggio

Du 14/10 aux .20/10 : artistes invités (œuvres exposées): Ballard et Sylvie Romieu
.Le 22/10 a/C de 16h30 Rencontre avec Daniel Bégard et Bruno Sellenet
Du 22/10 au 27/10 artistes invités Daniel Bégard et Bruno Sellenet
Le 28/10 de 16h30 à 18h Rencontre avec Christian Hadengue et Claudio Isgro Du 28/10 au 3/11 : artistes invités Christian Hadengue et Claudio Isgro
.le 4/11 de 16h30 à 18h . Rencontre avec Claude Abad et Martine Trouïs Du 4/11 au 11/11 artistes invités Claude Abad et Martine Trouïs
.Le 12/11 de 16h 30 à 18h : Rencontre avec Philippe Chapert-Gaujal et Fernand Soual Du 12/11 au 17/11 : artistes invités Philippe Chapert-Gaujal et Fernand Soual
.le 18/11 de 16 h 30 à 18 h :Rencontre avec Jean-Christophe-Alix et
Claire Charpentier Du 18/11 au 26/11: artistes invités Jean-Christophe Alix et Claire Charpentier
.Le 27 /11 de 16 h30 à 18 h : rencontre avec J.P Poutier et J.Mathès
Du 27/11 au 2/12 : artistes invités : JP Poutier et J.Matès
Mercredi 14 octobre à 18h30 :
Céline Juton, responsable culturelle, médiatrice
Lecture du texte de présentation de l’exposition
Mercredi 21 octobre à 16h15:
Daniel Bégard, critique d’art, écrivain, peintre
Laetitia Deloustal, chargé de mission en Histoire de l’Art
Mercredi 4 novembre à 16h15:
Anne Pannifous, galeriste – galerie Carpe Diem à Carlabayle (Ariège)
Louis Privat, chef d’entreprise, collectionneur
Mercredi 18 novembre à 16h15:
Emmanuel Darley, écrivain, dramaturge
Dominique Marin, psychanalyste
Valérie Schlée, écrivain
Mercredi 2 décembre à 16h15:
Laetitia Escalier, danseuse
Les musiciens du groupe Les Chats fourrés, répertoire d’Alain Bashung revisité
Samedi 12 décembre à 18h30: Carte blanche à de jeunes créateurs
.

SERGE GRIGGIO : Récits et refrains des seuils.

« Ne pourrait-on, pensais-je alors, reprendre seulement la série des
faits, et refaire le récit. Aucune objection raisonnable ne s’étant présentée,
mon parti fut pris aussi tôt «
Alessandro Manzoni « Les Fiancés-introduction » 1823

Comment devient-on peintre, et d ‘abord , peut-on le devenir ? Cette question , Serge Griggio a dû l’entendre , mais il est de ceux à qui l’on ne la pose plus. C’est un usage qui certes peut sembler absurde, mais c’est aussi une mauvaise politesse de ne pas la poser.Car un créateur aurait à contrario bien des raisons de souhaiter que l’on la lui pose, et c’est d’ailleurs ce qui serait justement délicat et de bon goût de faire. Pour autant une rétrospective portant sur une période assez conséquente d’une œuvre peut paraître un moyen raisonnable d’essayer de la comprendre . Et l’artiste lui-même qui se dépouille ainsi de son passé peut y trouver les ressources pour s’interpeller lui-même s’il en éprouve le besoin.

Une rétrospective ordinaire s’organise en conséquence en jouant des durées, des lieux et, bien entendu des manières et ou des thématiques. C’est ce qui fait la coutume autant que l’usage des
« catalogues raisonnés » . Autant dire qu’il ne s’en déduit logiquement que des parcours, des fléchages, des haltes, soit un ordre naturel pour toute muséographie. Car un tel ordre suggère un dispositif linéaire qui convient parfaitement pour les (forcément grands) disparus et pour quelques vivants qui ne rechignent pas devant une commémoration aussi balisée que prématurée. Le seul défaut qu’au demeurant l’on puisse valablement opposer à celui-ci étant que l’on élimine ainsi tout véritable récit.

Or une œuvre n’est pas un parcours donné d’avance et repéré comme tel, elle n’est que le relevé des traces qu’elle aura laissé .Une œuvre est en effet un récit, ou mieux une suite de récits composés et chantés dans le temps d’une vie, et dans les lieux de celle-ci. Avec des reprises et des recoupements, des couplets et des refrains. Il faut reconnaître toutefois qu’un tel décryptage de récits singuliers n’est pas forcément chose aisée. La nature de l’œuvre en effet, les conditions de sa conception, choisies ou subies par l’artiste, peuvent brouiller les tours et retours des récits. Mais disons le Serge Griggio est clairement l’homme des récits construits dans la rigueur et sans masques ce qui nous en facilite la lecture.

Et l’on revient par là, à la question du « devenir peintre ». Il n’y a pas en ce domaine de décision volontariste, il y a plus vraisemblablement une mise en marche, une sorte de porte, de seuil que l’on passe. Et le premier récit commence avec cette avancée-là . D’où vient cette mise en marche, ou mise en ordre de la création ? probablement d’un jeu de forces « des quantités de force, en relation de tension, pour un objet qui lui-même est force « qui constituera le début d’une histoire « par la succession de forces qui s’en emparent et leur cohabitation « écrira Gilles Deleuze (1).

On pourrait dès lors interroger,prioritairement, ce moment d’origine dans ses rapports, conscients ou non, aux permanences de ces « images-pathos « ces images « survivantes » analysées, à la suite de Warburg,par Georges Didi-Huberman .(2). Notamment en ce qu’elles nourriraient ou provoqueraient toute création tendant à une représentation. De plus, de l’addition de cette mise en « marche » et de ces survivances naîtrait alors quelque chose de nécessaire pour passer outre le premier seuil et dérouler au moins le premier récit. Néanmoins le moment originel persisterait comme une nécessité de repère, voire une modélisation toujours à reprendre, a chaque seuil, mais qui retient et s’enrichira, (dans ce qui deviendra une œuvre d’artiste), des acquis emblématiques des seuils successifs . Toutes ces avancées et ces retours ayant formes de couplets et refrains, d’une même ritournelle .

Or celle-ci a justement ceci de particulier : « qu’elle fabrique du temps. Elle est le temps impliqué « (3) et partant la ritournelle serait possiblement un mouvement rétrograde seulement formé d’un cercle fermé’ ’ . Mais, Gilles Deleuze, encore, qui en analyse les effets, remarque par ailleurs que si la peinture a ses propres ritournelles c’est parce que le peintre (au moins dans l’image que l’on s’en fait et à la différence d’un musicien) serait beaucoup plus ouvert socialement, beaucoup plus politique, beaucoup moins contrôlé du dehors et de dedans. Ce parce qu’il doit à chaque fois recréer (…) à partir des nouveaux « corps de lumières et de couleurs qu’il produit .(4) .

Je n’ai pas cherché à dresser ci-dessus un modèle théorique absolu,
mais il se trouve que pour la rétrospective que présente ici à Narbonne Serge Griggio, on y trouvera un éclairage utile, à défaut de l’explicitation d’une œuvre qui ne peut appartenir qu’a l’artiste lui-même et au goût qu’il a, ou non, de nous la livrer. Mais avec le recul que permet cet exercice, il semble possible de tenter de relever de quoi et comment s’est fait cette œuvre, ses couplets, ses mélodies, ses rythmes, ses refrains et ritournelles renouvelés.

Les premiers travaux (1979 1982) de Serge Griggio sont de ceux que l’on peut attendre d’un jeune homme qui se sent en capacité d’affronter les mystères et complexité de la représentation. Et assez naturellement le passage du seuil se fait par des imaginaires dominants. Rien d’étonnant donc d’y retrouver une sorte de figuration cosmique ou l’humanité n’est que flottante, ou un visage de femme se fondant dans les eaux. Mais on les notera ,pour ce carnet de voyage dans une œuvre singulière, parce que l’incertitude de la condition humaine, ou l’impossible nostalgie de la femme aimée, mère ou amante, y seront récurrentes, et comme la marque d’un manque.

Viendra un temps qui pourrait être celui de la maturation technique, et d’une conscience du refrain, et du rythme. Les sujets et le mode de la représentation feront penser, quelques fois à de Stael. Mais en l’occurrence c’est là probablement plus « l’être ensemble » des musiciens qui compte qu’une référence plastique assez anecdotique. La série de ces travaux (1983-1987) est, à mon sens clôturé par un grand format intitulé « entracte « qui est d’une tout autre importance. Parce que c’est à l’évidence là un nouveau seuil qui est franchi . En effet, les traits –qui pour la première fois dominent nettement et pour eux-mêmes la composition – imposent une vérité qui n’est autre que le désir ou la nécessité d’abstraction . Et parraléllement les fonds, jusqu’alors peu traités, en deviennent »acteurs « à part entière. Enfin la figure, et semble-t-il corrélativement, les corps humains sont pour le coup sortis de scène .

Ce qui va suivre (1988/1999) mais bien entendu, tout découpage de cet ordre est arbitraire car il néglige d’évidents chevauchements – s’inscrira d’abord par une suite de vues d’ateliers dont on ne voit surtout que le chevalet de l’artiste où plus précisément les traits qui le décomposent le désossent, le déconstruisent. Puis dans une autre série ce même chevalet qui a perdu toute substance matérielle, au point d’en devenir une sorte d’idéogramme , d’écriture, s’envole littéralement dans des compositions de plus en plus complexes dont l’équilibre n’est assuré que par une maîtrise, elle-même hasardeuse (couleurs, vibrations et matières des fonds). Il serait probablement faux de voir dans une telle thématique une symbolique critique du métier de peindre. Plus utilement alors, s’il fallait s’aventurer dans un tel registre , il faudrait en retenir le désir d’envol et/ou celui d’un chaos… reconstructeur. On sera donc tenté de voir dans une série postérieure où la représentation s’affronte au damier et aux figures d’un jeu d’échec comme une parabole de ce désir en action.

Désir donc mais aussi constat d’une situation, et mise en scène de celle-ci.Car il est bien possible que ce qui était en cause alors renvoyait à ce problème que les peintres ne peuvent éviter et qui est selon Gilles Deleuze lorsqu’il le relève à propos de Bacon : « que le problème de la capture des forces si conscient qu’il fût, se trouve mélangé avec un autre également important (…) celui de la décomposition et recomposition des effets ».(5) .Et de fait cette série de toiles où le rôle des fonds et des traits, (autonomes ou palimpsestes de figures dissoutes) s’accentue pourrait être une démonstration de la nécessité, pour un peintre d’élaborer un » diagramme « personnel qu’il déclinera dans ses œuvres suivantes. Hasard ou clin d’œil cette sorte de rupture intime est en quelque sort à placer sous le digne de la présence quasi permanente d’une pièce particulière du jeu, un cheval et un cheval bleu, un « Blaue Reiter » ! enseigne depuis Kandinsky du désir « de vivre le spirituel dans les choses matérielles et abstraites (6)

Du bleu encore et envahissant dans une toile (1991) fond et décor d’une sorte de fenêtre, striés par les persistants traits des œuvres précédentes. Le carré (fenêtre ouverture) , dans cette composition abstraite joue alors comme un appel, à l’évasion spirituelle à moins que comme l’écrivait alors Marie-Germaine Faure, cela soit la marque de la « subjectivité déchirée « de l’artiste. C’était en tout cas certainement, une injonction pour lui car les toiles qui suivront (1991 1999) feront certes la part belle à ce qui ressort probablement de la subjectivité, mais elle vont rompre aussi avec bien des données constantes des œuvres précédentes. Les couleurs d’abord dont la palette est bouleversée par l’arrivée d’ocres, de rouges, de bruns, par les thématiques ensuite qui interrogent des restes architecturaux, de murs peints pour des compositions où la figuration fait retour. Effets probables d’un voyage en Italie, de ressourcement quasi familial, mais surtout voyage aux sources de la peinture.Son ami, le peintre Mazzini dira alors que Griggio « invitait aux portes d’un univers métaphysique.

Mais il se peut que ce seuil-là ne soit pas ceux que l’on veuille franchir
parce que peut être, on y perdrait d’entendre la « ritournelle » originelle, celle qui vous avait mit en marche. Les toiles qui vont clore cette époque l’expriment peut-être assez précisément. Un fauteuil ou une chaise, banalités peut être, mais servies par des « morceaux de peinture « fonds lourds et sombres, épaisseurs d’ombres blanches, rouges imprévus et tranchants. Puis une autre série, l’objet, la chose demeurent en prétextes pour se dissoudre mieux. Retour des traits, et abstractions. Pourtant le brio de certaines de ces toiles fait ressentir plus vivement encore un manque violent . Celui de la figure, des corps, et de l’humanité ordinaire .

On pourra avoir alors le sentiment que l’artiste craint un assèchement
de son œuvre et qu’il ressent cela comme un carcan pour prendre le titre
d’une toile tout à fait atypique en regard de ce qu’il a fait jusqu’alors, tout d’une grande et forte gestuelle noire . C’est probablement pour cela
que lui viendra le désir de s’engager (1999- 2006) autrement, et dans une quête novatrice.

Comme le dira fort justement son amie et consoeur Syvie Romieu , qui en sera témoin : « En peignant ses angoisses , ses peurs et ses doutes l’homme Griggio ne peint plus que l’homme, dans son opacité, dans sa transparence , l’homme dans sa nudité profonde . Et le peintre rencontra l’homme « . De fait Serge Griggio va nous livrer alors des séries de toiles figuratives d’une grande maîtrise technique , où il traque la misère faite aux hommes , l’affaissement et la dignité qui se cherche encore .Les gestes qu’il montre ont l’exactitude crue du reportage , mais il sait faire
comprendre aussi les corps en solidarité , en secours de ceux qui, tombent . Et pour rendre toute cette vie vraie et terrible, il la peindra dans -un crépuscule de dérive qui dira l’écrivain Jean-Claude Pirotte « n’en finit pas de ralentir et d’allonger les gestes avant de lancer un trait qui fulgure »

Il poursuivra en cherchant dans les corps , et ce dans toutes les attitudes qu’ils prennent et les plus passionnelles , celles de l’amour ou de la passion christique , les mystères qu’ils portent en eux dans et avec les stigmates des misères sociales ou culturelles qu’ils subissent . Ce qui est d’ailleurs, mais par un tout autre chemin et par une autre porte, franchir un seuil « métaphysique ».

Dans ces productions les plus récentes Serge Griggio a repris et étendu
le chant d’une telle approche . D’une part , et usant pour une première fois de ce mode d’intervention , il a livré avec ses installations « Totems et mythologies des temps modernes » (2008) -où il use de containers de déchets et d’une figurine d’argile , sorte de golem représentatif de ces corps et gestes qui anéantissent qu’il peignait précédemment ,- une réflexion forte et amère . À la fois sur la survivance des mythes dans et malgré les aspects triviaux de nos sociétés, et sur l’engagement de l’artiste et le destin de ses œuvres. Depuis il a entrepris la mise en oeuvre d’une autre intervention importante « Uno sguardo dentro la vita « consacrée aux portraits de femmes , c’est-à-dire aux regards qu’elles
portent sur lui et qu’il a porté sur elles . Introspection décisive s’il en fut et qui le sera certainement pour lui, faisant ainsi retour au « refrain « qu’il lui fit franchir un premier seuil de création.

Enfin il faut remarquer que l’initiative de Serge Griggio d’installer son atelier dans le lieu même de sa rétrospective, pour y être ainsi disponible aux visiteurs, comme ses invitations à des confrères d’ exposer avec lui, ou celle faite à différents acteurs de l’art contemporain en région pour y débattre ensemble, témoignent de la volonté permanente qu’il a d’être aux plus près des problématiques de son art.

Daniel Bégard . Octobre . 2009

Notes :
1 Gilles Deleuze « Francis Bacon-Logique de la représentation »
Le Seuil éditeur . Paris 2002
2 Georges Didi-Huberman « L’image survivante » Editions de minuit Paris 2002
3 Gilles Deleuze et Félix Guattari « Mille Plateaux «
Éditions de Minuit . paris 1980
4 G.Deleuze/F.Guattari Ibid.
5 Gilles Deleuze .Ibid
6 V.Kandinsky . Lettres 1913

Rendez-vous à l’atelier avec Serge Griggio:
voir le documentaire
la conférence de Daniel Bégard et Laetitia Deloustal
voir la vidéo

« le LAC se fait aire de repos » Renaud Helena
Sigean – L.A.C. (lieu d’art contemporain)

Exposition du 11 octobre au 8 novembre 2009
Ouvert samedi et dimanche de 14h à 17h

Cette magnifique cave viticole transformé en lieu d’exposition nous invite à vivre une paranthèse ouverte sur le bord des chemins. Les travaux de Renaud Helena possèdent une esthétique empreint d’une banalité qui laisse percevoir la faille de ces espaces publics anonymes, ses limites et ses bords comme autant de possibilités d’accès et d’issue. Alors derrière la surface, on peux tracer de nouvelles conduites, un déplacement trouble jusqu’aux imaginaires.

Suite à la résidence d’artiste effectuée avec le partenariat du L.A.C. au collège Victor Hugo de Narbonne et le projet artistique mené aussi avec les collèges de Port-la-Nouvelle et Sigean, Renaud Helena présente un travail nourri de cette expérience unique et des rencontres avec les collégiens du narbonnais.

A l’origine, il y a la découpe et le pli, deux gestes qui lient surface et volume. Pliées et dépliées telles des pop-ups, les sculptures de Renaud Helena sont susceptibles de disparaître et de réapparaître. Les morceaux assemblés avec des charnières reproduisent le processus de découpage et de pliage d’une feuille de papier. Ici le MDF (médium) utilisé permet aux volumes d’avoir une stabilité tout en gardant la souplesse du papier. En effet, tels des pantins articulés, les volumes reposent sur leurs poids en équilibre ou même ne peuvent pas tenir debout. L’attention portée à la gravité est aussi importante que celle portée à l’espace. Alors, ce qui fait image s’affaisse comme pour connoter un rapport de tension avec la pesanteur du réel.
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Décor de théâtre fatigué ou table de camping pliable, une mise en scène fragile s’installe. Les formes simples évoquent une architecture sans identité, empreinte de banalité. L’installation des volumes en “jardin à la française” avec de grands axes contraste avec l’aire de repos. Elle est un non-lieu dépourvu d’histoire, un espace de transit purement fonctionnel. L’artiste a voulu se limiter à des lieux communs comme pour faire résonner les limites de ce dispositif devenu volumes inconsistants à peine stables.
Dans cet espace minimaliste un peu trop maîtrisé résonne le vide, une incapacité à habiter ces lieux publics anonymes, si ce n’est, dans la transgression, le soir venu, où alors une réappropriation sauvage de l’espace trace de nouvelles conduites.

Pour plus d’information consultez le journalderesidence.blogspot
et le site de Renaud Helena

Le toucher est l’origine de l’art . À tout le moins il n’y aurait pas d’art sans ce mouvement qui permet la sensation et propose la matière comme lieu de son exercice. Et de tous les hommes qui sont encore en capacité directe, de vivre ce moment sans qu’interfèrent les prothèses ou les paramètres d’évaluation, l’artiste est de ceux pour qui ce contact originel demeure vif et nécessaire.

Christian Hadengue ne le démentira pas qui a découvert une curieuse papeterie laotienne, sorte de cahiers pour l’exercice des traditions artistiques de l’Extrême-Orient où l’œuvre se pense simultanément, création du support, calligraphie, et représentation peinte n’étant que parties d’un tout. Hadengue dont les choix artistiques portent à privilégier souvent « une iconographie de la trace, parfois d’un fragment « a compris le parti qu’il pouvait tirer de ce papier non relié, ou en feuilles, mais plié . Il a su s’approprier ces supports pour des abstractions subtiles, pulsions libres et maîtrisées. Un lyrisme sous contrôle, propre à un séquençage permettant comme l’a écrit Valérie Schlée de« s’asseoir le dos au tumulte, dessiner un fil dans l’air, tout un fouillis en distance et déplacement « Cela dit il y avait dans cette appropriation le risque, de faire de ces cahiers de trop« beaux objets », décoratifs . Christian Ha dengue a voulu l’assumer et, par son évidente authenticité, aura su, pour l’essentiel, échapper à ce piège.
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On le comprendra aisément en se confrontant à l’important ensemble de travaux, sur des supports classiques, qu’il présente également à Bages. On y découvrira un univers artistique d’une grande rigueur fait d’une volonté de sortir du plus profond de soi une vérité, entre doutes refusés et certitudes fragiles, émotions et distanciations, chairs et rêves. Tout cela laisse l’impression d’une déchirure secrète, d’une blessure comblée mais comme regrettée, traces et comètes d’une sidération, d’une façon d’expansion intime ou le prix à payer pour elle. D’où viennent peut-être ces figures cosmiques que l’on peut croire voir dans ses grands formats (la série des « inter-actives’ ) d’acryliques et de pastels servis par de belles compositions et une technique irréprochable, En clair, il est important de retrouver ou de faire rapidement connaissance avec la sincérité de l’œuvre de Christian Hadengue et de la suivre avec l’intérêt qu’elle mérite .

Daniel Bégard
magazine olé

Un nouveau lieu d’art est une bonne nouvelle. Et en cette saison d’été, un peu morose cette naissance aura suscité un intérêt justifié. Le C.L.A.P de Nicole et François-Xavier Carrière a de beaux atouts. Un site agréable, des volumes encore restreints mais prometteurs. Toutefois
la programmation de cet été ne proposait guère une ligne éditoriale précise et cela brouillait un peu les regards de cette première approche.

Doris Schalaepfer dont on connaît, par ses réalisations multimédias, le souci de la rigueur et l’inventivité ne perd rien de ses qualités en passant de l’autre côté du miroir. Son travail y gagne une évidence forte lorsqu’elle s’intéresse ici à l’ombre d’un figuier familier. Or l’ombre projetée par un sujet, un corps est, on le sait, l’une des sources de toute représentation. Il fallait donc du courage ou une insouciance enjouée pour s’affronter à un tel enjeu. Son travail tout de relevés, et d’observations attentives des nuances infinies entre noir et gris bleuté, est remarquable et à la hauteur du défi, mais il ne prend de valeur visiblement que sur d’assez grands formats. Elle n’en présente que peu . Dommage. On souhaite, au CLAP ou ailleurs, revoir ce travail dans de meilleures conditions.

Friedebert Wittich propose d’intrigantes pièces sombres qui ne cèdent jamais aux facilités qu’entraînent trop souvent les projets revisitant la monochromie noire. Ses propositions au contraire portent la marque d’une authentique et autonome recherche personnelle . Le noir en somme est ici restitué comme produit d’une saturation de couleurs, qu’il faut creuser, griffer, sonder pour retrouver un possible récit originel et singulier. On suivra à l’avenir Wittich avec beaucoup d’intérêt.

Décalée , beaucoup trop décalée avec un tel voisinage Chahnaz Kherfi montre une série de scènes sur papiers où passent des personnages colorés. C’est agréable, mais on voit mal où mène ces propositions illustratives si ce n’est comme objets décoratifs. Il eut fallu lui
Imposer de montrer de façon plus conséquente ces travaux de plus grands formats noirs et blancs, encre sur papier, où s’affirment à contrario une personnalité que l’on aimerait mieux connaître.

Daniel Bégard

ATELIER NEITZERT : Voir … C’est savoir voir !

Il y aura bientôt une décennie que Jörg Neitzert en sa galerie atelier de Saint-Chinian fait entendre chaque saison, un discours décalé et en conséquence différent des programmations dominantes dans la région. On lui doit, à ce titre de belles réussites questionnant l’art contemporain, et le rapport de celui-ci au monde actuel, sans parti pris ni exclusive, nous permettant ainsi d’avoir un regard utilement critique et d’en comprendre les enjeux. Ces dernières saisons, il aura orienté insensiblement ses propositions en s’éloignant de l’esprit purement « galerie », fut-ce en médiateur critique ou didactique, pour gagner peut être un peu de sérénité et d’humour, et ce en exposant des propositions dont l’esprit revisiterait la tradition des cabinets de curiosités . Ceci peut être pour répondre à une certaine lassitude ou à un désenchantement « contemporain » qui en menacerait les dernières survivances.

Cette saison, les propositions de Jörg Neitzrt (qu’il aura renouvelé tout l’été) s’inscrivent dans la continuation d’une telle démarche tout en reposant des problématiques didactiques sur les valeurs normatives et d’objectivité des images et des pratiques artistiques. Appliquant en somme à l’art une grille que n’aurait pas désavoué Max Weber. Il n’y a pas « d’idéal type’ .

Pour cela il s’appuie en cette fin de saison d’abord sur son  propre travail photographique qu’il avait peu montré à  Saint-Chinian , il est vrai qu’il s’agit là de travaux récents  réalisés en Inde. D’une part outre une proposition où le  mouvement conduit à l’abstraction, le grand portrait en noir  et blanc, très fort, d’un vieil ouvrier- probablement un  intouchable- pendant une pause qui se résume à la  consommation d’une cigarette ! . Et en regard, un homme  insecte s’activant sur un gigantesque panneau publicitaire  où il n’inscrit qu’une série de chiffres, les numéros de  téléphone nécessaires à leur location ! Ou un peu plus loin une fleuriste ensommeillée dans une explosion de couleurs troublées par la tache blanche de la chemise de son mari et patron, qui fait face à une l’intrigante »vanité » en noir et blanc autour d’un crâne féminin.

En contrepoint de ces images, d’énigmatiques textes manuscrits à la calligraphie ostensiblement malhabile, en noir sur blanc - sauf une toile colorée et coquine : faux conseils, légendes et vrais aphorismes de l’Anglais David SHRIGLEY www.davidshrigley.com, humour noir «  so bristish « garanti. Ou encore, autres curiosités authentiques, une vidéo assez hallucinante de Santiago Sierra http://www.santiago-sierra.com, un incident urbain, ou le premier court-métrage de Luc Moulet qui fut avec d’autres aux origines de la Nouvelle vague, un cinéma frontal sur un face à face sœur frère, témoignant avec un humour corrosif des années 60. En bref s’il n’y a pas d’idéaltype pour l’art ou l’artiste, il ne peut pas en exister non plus pour le visiteur. Il n’y a pour tous , comme « on ne voit pas vraiment ce que l’on voit «  et ainsi qu’aurait pu le dire Max Weber, que la nécessité « d’une idée éthique de devoir’ . Soit, pour ce qui nous occupe de devoir savoir voir, avec rigueur sans forcément se prendre, et tout prendre, au sérieux.

Daniel Bégard

Atelier Neitzert lieu d’art actuel

Hameau de Castelbouze 34360 Saint Chinian

jusqu’au dimanche le 4 octobre 2009

ouvert pour la visite: jeudy au dimanche de 15h à 19h ou sur Rendez-vous: tel 04 67 38 04 29

info@atelierneitzert.comwww.atelierneitzert.com